El álbum más triste de la historia

 

¡Hola, amantes de la música! Siento haber estado ausente durante tanto tiempo, aunque al fin con las vacaciones de Navidad tendré tiempo para escribir alguna que otra entrada. Además, he visto que en estos últimos meses gente de todo el mundo le ha echado un vistazo al blog, lo que me ha motivado a ponerme a escribir. ¡Muchas gracias por todo el apoyo! 💖 Si queréis estar al tanto de las nuevas entradas que van saliendo, lo único que tenéis que hacer es pulsar el botón de "seguir" si estáis en el ordenador. 

Bueno, hoy os traigo una entrada algo peculiar, más diferente de lo que estáis acostumbrados a ver. Y es que, como deduciréis leyendo el título, vamos a hablar sobre un álbum que descubrí recientemente, considerado por muchos el álbum más triste de la historia. Estamos hablando de Everywhere at the End of Time, del artista The Caretaker. Así que voy a daros mi ADVERTENCIA: Si ahora mismo estáis pasando por un mal momento, os recomiendo que no leáis esta entrada, ya que vamos a tratar temas que pueden ser sensibles para muchas personas. Aclarado esto, comencemos.    

Everywhere at the End of Time (En todas partes al final del tiempo) es una obra compuesta por The Caretaker (James Leyland Kirby), de unas 6 horas de duración, dividida en 6 extensos álbumes. The Caretaker es un músico inglés cuya música es conocida por ser ambiental, oscura y experimental, con gran uso de samples manipulados de música antigua, creando diferentes atmósferas (nostalgia, tristeza...), como es el caso de la obra que analizamos hoy, que trata sobre la evolución de la demencia y la pérdida progresiva de memoria. Y la verdad es que consigue meternos de lleno en su atmósfera al transmitirnos canciones que evocan temas que nos resultan familiares y cercanos. Estoy seguro de que alguno de vosotros tiene quizá algún familiar con demencia o alzheimer, y comprende lo duro que puede ser.

En este caso, en Everywhere at the End of Time, The Caretaker nos pone en la piel de una paciente que sufre esta cruel enfermedad, escuchando la música que suena dentro de su mente en forma de recuerdos lejanos. Dicha música se basa en samples de música de baile y salón de los años 30 (jazz, swing...) la cual se va distorsionando progresivamente hasta llegar a un desorden terrible, acabando con el silencio absoluto... Pero vayamos por partes, viendo qué nos ofrece cada uno de los 6 álbumes de este agridulce viaje. ¡Allá vamos!

PRIMERA ETAPA: 

 Representa los primeros síntomas de la pérdida de memoria del paciente, pero por ahora nada grave. La música consiste en bucles de música de salón de los años 20 y 30 que se pueden distinguir de forma clara, ya que la distorsión es mínima. La música aparenta ser alegre y nostálgica, aun así, no parece representar recuerdos tan alegres. Más bien, parecen recuerdos solitarios e incluso algo melancólicos. Esta primera etapa dura aproximadamente 41 minutos, y las melodías tienen títulos como "It's Just a Burning Memory" (Es un recuerdo ardiente), "Childishly Fresh Eyes" (Ojos frescos e infantiles) o "My heart will stop in joy" (Mi corazón se deterndrá de alegría). Para mí, en general esta parte del álbum, a pesar de trasmitir soledad y nostalgia, me pareció bastante relajante. Para escuchar un poco de cada etapa, pinchando en los títulos de las canciones que os he dejado, podréis acceder a dichas canciones para poneros en contexto. 

 

 La portada del álbum es una especie de rollo gris minimalista, como una revista. Es un objeto cotidiano reconocible.

SEGUNDA ETAPA:  

 El paciente se da cuenta de que algo falla, pero se niega a aceptarlo. Las melodías empiezan a transmitirnos un ambiente se vuelve más gris y melancólico. Es cierto que algunas canciones resultan relajantes, pero otras son bastante oscuras. Además, podemos observar que se usan loops más largos y con menos efectos que en la Etapa 1, pero la calidad se deteriora y se nota una mayor presencia de ruido. Sin duda, todo eso representa un esfuerzo mayor por recordar y una señal de lo que vendrá en las etapas posteriores. Esta etapa tiene una duración aproximada de 42 minutos, y las canciones que la conforman tienen títulos como "Misplaced in time" (Fuera de lugar en el tiempo), "What Does it Matter how my Heart Breaks" (Qué importa cómo se me rompe el corazón) y "Denial Unravelling" (Desenredando la negación). Al igual que la etapa anterior, esta me pareció también muy solitaria.

 

En este caso, en la portada del álbum se nos muestra una maceta de flores que se están marchitando. A su vez, la maceta tiene una forma peculiar, como si un hombre y una mujer la estuviesen sujetando. En resumen, vemos un objeto cotidiano aún reconocible que refleja las confusiones del paciente.

TERCERA ETAPA:  

 Aquí es donde el paciente vive sus últimos momentos de consciencia, así como se representan sus últimos recuerdos coherentes, antes de que la demencia se apodere de él por completo. Al igual que en las dos etapas anteriores, se emplean samples de música de los años 30, aunque esta ahora es más enredada y confusa. Si en las dos anteriores etapas apenas notaste la distorsión, aquí se manifiesta de forma evidente. El artista no solamente usa la distorsión clásica, sino que emplea otros recursos que deforman las melodías, como el efecto del "eco" o delay, o en ocasiones una especie de "pausas" y bloqueos constantes, como si estuvieses haciendo una videollamada con alguien pero la cobertura va mal. Todos estos efectos representan sin duda la dificultad cada vez mayor que tiene el paciente para recordar, además del cambio que están experimentando sus recuerdos. Para mí, esta etapa es una de las más interesantes, ya que las canciones aquí están bastante distorsionadas, pero todavía se hacen distinguibles, lo que provoca que haya melodías... un tanto siniestras.

Tiene una duración aproximada de 45 minutos, y las canciones están denominadas por títulos como "Back There Benjamin" (Allá atrás Bnejamín), "Sublime Beyond Loss" (Sublime más allá de la pérdida) y "Drifting Time Misplaced" (Tiempo a la deriva extraviado). 

 

 La portada del álbum se deforma tanto como las melodías que hay en este. Por el color verde parece como un revoltijo de plantas sin sentido. Pero lo curioso (y lo que pocos fans habrán notado) es que hay números camuflados en la imagen, como un "9" abajo a la izquierda, un "7" grande en medio, y un "3" situado abajo a la derecha, lo que puede expresar la confusión creciente del paciente, que empieza a mezclar cosas cotidianas con otros elementos. 

Si has llegado conmigo hasta aquí, ya no hay vuelta atrás... Prepárate para lo que se viene a continuación. 

CUARTA ETAPA: 

 Esta etapa marca el inicio del deterioro de la memoria del paciente de forma grave. Sus recuerdos se mezclan y enredan, formando un caos que simula el avance de la demencia y la pérdida de capacidad para reconocer el entorno que lo rodea y todo lo que se encuentra en él. Esta parte del álbum está compuesta por cuatro canciones donde se pueden salvar pocas melodías reconocibles. Es casi una hora y media de confusión. En las canciones G, H y J (todas bajo el mismo título, "Post-Awareness Confusions" (Confusiones posteriores a la concientización)) está todo bastante mezclado, y la música se transforma en fragmentos musicales cortos y repetidos sin coherencia entre ellos, simulando que el paciente está perdiendo la capacidad para recordar. A mí me recuerda a cuando coges una radio antigua e intentas sintonizar con la emisora adecuada. En cambio, la canción I ("Temporary Bliss State" (Estado de felicidad temporal)) es una sola melodía, más relajada que las otras, pero distorsionada a más no poder. Como podemos apreciar, los títulos de las canciones empiezan a adquirir nombres más técnicos, sin la subjetividad de antes.

 

 Esta vez, en la portada hay una mujer de rostro desconocido (con un parecido razonable a "La mujer de la Perla"). Es como si se hubiesen cogido varias pinturas y texturas diferentes para intentar representar esta figura, como el paciente trata de hacer con sus recuerdos.

QUINTA ETAPA:

 Si la cuarta etapa te pareció extraña, esta lo es todavía más. El paciente se encuentra en una fase de demencia avanzada en la que se representa mediante música y sonidos inquietantes la pérdida casi total del "yo" y la conciencia del espacio y el tiempo, con algunos momentos inquietantes. Repetición, distorsión, rupturas, caos... aquí se utiliza de todo sin dejar ni rastro de algo apenas reconocible. Y, por si fuera poco, todo este alboroto está acompañado de un montón de ruido externo que lo cubre todo. Sin lugar a dudas, el paciente está pasando por uno de los peores momentos de su enfermedad. Esta quinta etapa de casi una hora y media está compuesta de 4 "melodías" (si se pueden llamar así) con más títulos técnicos, como "Advanced Plaque Entanglements" (Enredos de placa avanzados) o "Synapse Retrogenesis" (Retrogénesis de la sinapsis). 

 

 En la portada ya no se ve nada reconocible. Si le echas un poco de imaginación, puede parecer un hombre y una mujer subiendo unas escaleras, pero no lo sabes con certeza. La distorsión es máxima.

Si este viaje te está dejando algo depresivo, la última etapa del álbum es la más triste de todas. 

 SEXTA ETAPA:

 Esta etapa no tiene descripción...

Ya no queda nada, solo el sonido del vacío y restos sutiles de la memoria e identidad del paciente, los cuales se han desintegrado por completo. Esta etapa de 1 hora y 25 minutos de duración, y en ella puedes encontrar títulos como "A Confusion so Thick you Forget Forgetting" (Una confusión tan espesa que olvidas el olvido) y "Place in the World Fades Away" (El lugar en el mundo se desvanece). Cuando todo parece totalmente perdido, esta última canción nos sorprende en sus últimos minutos con una última melodía distorsionada, pero coherente, que acaba desapareciendo dejando paso a un silencio total, simulando la muerte del paciente. Muchas personas identifican este momento tan icónico con la llamada "lucidez terminal", momento en el que un paciente gravemente enfermo experimentan una inesperada y breve recuperación de claridad mental justo antes de morir. Es por eso que se nos presenta esta triste melodía, representando un último recuerdo del paciente antes de dejar nuestro mundo para siempre...

 

 Amigos, esto es todo lo que nos ofrece este extenso álbum. Le doy mi más sincera enhorabuena a  The Caretaker, ya que ha conseguido cumplir con su objetivo (al menos conmigo). Y es que, si os soy sincero, hacer una entrada lidiando con un álbum así no es fácil. Osea, no me he puesto triste ni estresado ni nada, simplemente no me he sentido lo a gusto que quería, por mucho que me gustasen las melodías que sonaban en las primeras etapas. El tema de la demencia es muy duro para todos, y todos tenemos ese "miedo" a que algún día la demencia venga a nosotros y tengamos que luchar contra ella completamente solos. Es por eso que, al escuchar Everywhere at the End of Time  teniendo en cuenta este oscuro contexto, nos sentimos algo tristes e incómodos. 

Me parece increíble cómo la música puede transmitirnos este tipo de emociones, un viaje o una experiencia completa. Además, este Everywhere at the End of Time  nos deja la libertad de interpretar la música (o los recuerdos del paciente) con ayuda de nuestra imaginación, creando algunas teorías de lo más interesantes. Por ejemplo, en "What Does it Matter how my Heart Breaks", ese ruido que oímos todo el rato de fondo puede simbolizar las neuronas del paciente, muriéndose una a una. O mejor aún, en "Back There Benjamin", una de mis canciones preferidas del álbum, las trompetas que se escuchan pueden simbolizar a la propia demencia riéndose de nosotros porque sabe que ella tiene el control y nosotros no tenemos nada que hacer contra ella.

Por último, para dejar cerrado este asunto, me gustaría mostraros algunos remakes que han hecho los fans de este álbum. Recomiendo que les echéis un vistazo, porque son increíbles. He seleccionado solo 2 de ellos, pero si investigáis un poco, podréis ver que se han creado infinidad de remakes. ¡La imaginación no tiene límites!

1. Everywhere at the End of Time con voces: https://www.youtube.com/watch?v=KdyoFAmpwrI&list=RDKdyoFAmpwrI&start_radio=1&t=10164s

2. Everywhere at the End of Time, pero desde el punto de vista de un paciente mexicano: https://www.youtube.com/watch?v=8M73kbR_IGw&list=RD8M73kbR_IGw&start_radio=1&t=5606s

Mis aplausos para los que crean estas joyas. 👏👏👏

A mí no me importan las visitas que reciba esta entrada, pero si recibe 30 visitas o más, me comprometo a traeros más experiencias plasmadas en música (se me vienen unas cuantas a la cabeza). Y como esta es la última entrada del año, os deseo feliz año nuevo a todos🎉.  

 

 

Remixes de Música Clásica que están a otro nivel

 Prácticamente fue ayer cuando empecé a tocar en el piano el famoso Nocturne op 9 no 2, de Chopin. Y yo, como curioso de la música que soy, quise investigar otras versiones de este nocturno. Ya sabéis, algo que suene más actual, con otros instrumentos, o versiones rock o electrónicas. Y fue ahí cuando me topé con un remix muy bien conseguido que me encantó. Pero la cosa no se quedó ahí, porque en el mismo canal de Youtube donde me encontré dicho remix había más remixes de composiciones de Música Clásica famosas, y me quedé atónito con las maravillas que escuché. ¿Queréis escuchar vuestras obras favoritas de Música Clásica a otro nivel? ¡Este puede ser vuestro día de suerte! 😋😋😋

Empezaré diciendo que hacer un remix de algo de Música Clásica no es tarea fácil. De hecho, es muy difícil que te quede bien y a la gente le guste. Es como si quieres transformar el rojo en azul. Es por eso que TPRMX (como se hace llamar el canal que descubrí) tuvo que pensar muy bien en cómo hacer que un remix de Música Clásica suene realmente bien. ¡Y lo ha conseguido! 

A ver, no os voy a mentir, desde mi punto de vista subjetivo hay unos mejores que otros. Por ejemplo, el Bolero de Ravel del que os hablé en la anterior entrada es prácticamente imposible hacer un remix así. Es una composición tan repetitiva y evolutiva, que como mínimo necesitaríamos un remix que dure lo que esta (unos quince minutos) para que quedase algo medianamente decente. En fin, que TPRMX  hizo un remix de dos minutos y medio de duración, y no me gustó mucho. Pero no es culpa suya. Ni él ni nadie podría hacer un remix perfecto del Bolero, porque está hecho solo para orquesta y no se puede convertir en algo que no es. A veces es mejor dejar las cosas como están, ¿entiendes o no?

Sin embargo, TPRMX  ha compuesto joyas infravaloradas que merecen ser expuestas, y seguramente algunas superen a la versión original. Por eso, he aquí mi humilde Top para mostraros las que personalmente me han gustado más. ¡Prepara los auriculares! 🎧

 

MENCIONES HONORÍFICAS:

Aparte de los que para mí son los tres mejores remixes de este canal, me gustaría mencionar algunos que no se han quedado atrás y también me han impresionado (os dejo enlace de todos ellos). En primer lugar, del William Tell Operture de Rossini que, auqnue se salte alguna parte importante, está genial. Luego, el Clair de Lune de Debussy, que me gustó mucho porque la obra original está escrita a 9/8 y el compositor hace que encaje en un 8/8, lo que conocemos por un 4/4. Y la verdad es que hacer un remix de Clair de Lune parece muy arriesgado, pero a TPRMX le quedó impresionante. Por último, me gustaría mencionar también a Ride of the Valkyries de Wagner, y al Ode to Joy de Beethoven, que es con diferencia el remix más popular del canal, con casi 1 millón y medio de visualizaciones. 

 TERCER PUESTO:

La medalla de bronce se lo lleva el remix del que hablé al principio de la entrada: el del Nocturno de Chopin. Literal, ahora mismo en Internet no hay mejor remix del Nocturno que este, y es justo lo que uno desea escuchar. Es un remix sublime, especialmente en las partes más conocidas de la obra. Y aquí también hay un cambio de compás, ya que pasa de un compás ternario al 4/4 para hacerlo más marchoso y bailable. Y me gusta también porque no está muy sobrecargado, lo que hace que se pueda escuchar con placer, conservando algo de la calma que nos transmite la obra de piano original. Aquí os lo dejo para que lo escuchéis:

 Ya veis que todos los remixes son de piezas muy famosas que todo el mundo ha escuchado. ¿Seréis capaces de adivinar cuál irá en primer puesto? ¡Quedaros hasta el final y lo averiguaréis! 😜

SEGUNDO PUESTO:

Este merecido segundo puesto, al que le faltó muy poco para superar al primero, se lo lleva el Hungarian Dance No. 5 de Brahms. Otro remix sin defectos que podría llegar a superar incluso a su versión original al ser más intenso. Combina muy bien los ritmos de percusión, y suena como si te enfrentases al jefe final de un videojuego en 8 bits, muy épico. No os arrepentiréis si lo escucháis.

 PRIMER PUESTO:

Dudo mucho que hayas acertado cuál remix irá en primer lugar, pero si lo has acertado por alguna casualidad, felicidades. Es de una de las obras más conocidas de Mozart, de la ópera de La Flauta Mágica. Del fragmento más conocido, con unos agudos muy desafiantes que muchos han intentado cantar y la mayoría han fracasado 😂😂😂. 

 Es un remix corto, pero que lo tiene todo. Tiene estilo y mucho ritmo, y me encanta cuando empieza con tonalidad menor pero enseguida se pone alegre y suena la parte más icónica. Sin duda, es un remix insuperable. Si fuese más extenso, lo podría poner un DJ en una discoteca y triunfaría, seguro.

OTROS REMIXES:

No solamente TPRMX se ha embarcado en el reto de hacer remixes de obras clásicas; miles y miles de personas amantes de la música lo han intentado. Y por eso aquí os traigo un remix de regalo que descubrí hace un tiempo y que me gusta escuchar de vez en cuando. Se trata de un remix del Hungarian Rhapsody No. 2 de Franz Liszt, justo de mi obra favorita de este compositor. Y este sí que abarca toda la obra, de ahí que dure más de 8 minutos. He de aclarar que no es un remix tan loco como los otros mostrados, va más bien a lo seguro y, a pesar de su ritmo repetitivo, la variedad de instrumentos y sintetizadores es notable. Le da un buen toque cuando se turnan el piano y el sintetizador. De este , mi parte favorita es desde que comienza segundo movimiento, a partir del minuto 2:21 del vídeo que os dejo a continuación:

Hay que aplaudir, además, a esa maravilla de animación que nos trae, basada en una foto de Liszt real. Una animación que acompaña a la música a la perfección y que es muy divertida y alocada. Para entender la gracia, solo hay que observar los memes.

 

En fin, si conocéis algún remix o versión buena de alguna obra conocida de Música Clásica, hacérmelo saber en comentarios. ¡Y comentad cuál ha sido vuestro remix favorito! 👇👇💪💪

No creo que TPRMX vea esta entrada, ya que dejó de publicar remixes en Youtube hace 8 años. Pero si el destino quiere que la vea algún día, le diré que se debe sentir muy orgulloso de toda la música que ha compuesto, además de que ha acercado las maravillas de la Música Clásica a la audiencia actual.😊

 

 

¡La repetición al poder!

 

¡Hola, amantes de la música! Ya estoy de vacaciones y estoy a tope de energía para publicar más entradas musicales. Así que empezaré por una que hace ya tiempo que tenía ilusión de hacer. ¡Tomad asiento, porque os puede interesar bastante! 💕💕💕💕

Como habréis visto en el título, hoy hablaré sobre uno de los recursos musicales más usados (o si no, el más utilizado): en la repetición. Y es que, en cada canción o melodía que oigas, la repetición va a estar siempre presente: cuando se repite un patrón concreto de acordes, cuando se repite el estribillo de una canción... ¡La repetición engloba a todas las características musicales que te imagines! Hoy día, con géneros como el Pop o el Reggaeton, la repetición se usa cada vez más, en ocasiones llegando al punto de que a dichas canciones les falte chispa y originalidad, además de ser aburridas y aborrecedoras. Pero, si hay algo que sé, es que la repetición no es algo malo, sino todo lo contrario. Si se emplea correctamente, puede llegar a hacer magia en tu oído, y hoy os enseñaré algunos ejemplos peculiares más allá de las fugas de nuestro Johann Sebastian, las canciones actuales e "In the Hall of the Mountain King" de Grief, de la que ya os hablé en una entrada hace tiempo. ¡Vamos al grano!

1. REPETICIÓN MODO "CANON": 

Un Canon es un tipo de composición musical en el que las melodías se repiten en diferentes instrumentos, estando estas siempre a la misma distancia. El ejemplo más popular de este tipo de composición lo habréis escuchado multitud de veces, especialmente en bodas. Sí, me refiero al Canon de Pachembel. Esta obra barroca, por simple y amigable que parezca, tiene mucha magia en su interior. Y es que, como dije antes en la definición de Canon, los instrumentos de cuerda presentes en esta composición se van pasando entre ellos diferentes melodías, como si se estuviesen pasando una pelota. Además, nunca cambia de armonía y se mantiene hasta el final con sus mismos ocho acordes. En esos ocho acordes es cuando empiezan a sonar las melodías. Y Pachembel fue muy ingenioso aquí, ya que ideó la melodía más carismática posible con solo negras, y la pasó al primer violín. Cuando el primer violín la toca una vez, se la pasa al segundo violín, mientras que él toca un acompañamiento, también con negras que encaja a la perfección. Cuando Pachembel se aburrió de las negras, pasó a escribir la melodía más carismática, ahora con solo corcheas, e hizo lo mismo con los violines. Siguió el mismo proceso con las semicorcheas, hasta que la melodía se desarrolló hasta llegar a la melodía más famosa de toda la pieza que todos hemos oído alguna vez. Y obvio que esta melodía también pasa de un violín a otro. En cuanto al bajo, se mantiene constante todo el rato tocando una sola melodía.

Ya ves la chicha que tiene esta pieza, aunque para nada es complicada. Te aconsejo que la escuches con atención y te fijes en cómo se van repitiendo las diferentes melodías, fijándote también en cada instrumento por separado. Como simple curiosidad, este Canon no llegó a ser tan famoso en su época. Fue a partir de los años 50 cuando llegó a convertirse en una obra esencial en la Música Clásica, siendo una obra que, debido a su sencillez, repetición y carisma es amigable de escuchar para un oído actual. ¡Lo que hablábamos antes de los géneros de música actuales! 

 2. REPETICIÓN DE UNA MELODÍA CON DIFERENTES INSTRUMENTOS:

 Aquí no solo hablamos de Música Clásica. Como ya dije al principio, el recurso de la repetición en la música es muy popular actualmente, aunque me voy a ir un poco atrás a los años 70, con la melodía "Onyx", que os dejo aquí abajo 👇👇👇:

 Esta obra se hizo un hueco en el mundo de la música debido a ser una de las primeras piezas de música electrónica, un género que estaba empezando a expandirse por aquel entonces. Usa sonidos e instrumentos tecnológicos que la hacen muy futurista, e incluso nos recuerda a los alienígenas. Lo que me cautivó de Onyx fue esa diversidad se sintetizadores que emplea para repetir todo el rato el mismo motivo, el cual se hace pegadizo nada más escucharlo un par de veces. En primer lugar, se nos presenta la melodía principal tocada suavemente por un sintetizador común, y luego, tras un tenso puente, se repite la melodía una y otra vez, pero con diferentes tipos de sintetizadores y acompañamientos. A mí personalmente me hizo gracia cuando sonó el agudo, porque queda increíblemente bien. Y es que esta diversidad que vemos hace que el oyente esté atento a la canción en vez de aburrirse con tanta repetición. Sin duda, por muy anticuada o futurista que suene, Onyx se ha ganado mi hueco en el Spotify. 👽

Si aún sigues leyendo esta entrada, estás de suerte, porque he dejado el plato fuerte para el final. La repetición mejor usada de la historia y que todo el mundo ama o va a amar.

3. REPETICIÓN AUMENTANDO GRADUALMENTE LA INTENSIDAD:

La primera canción del estilo que a uno se le viene a la cabeza puede ser "In the Hall of the Mountain King", ya que repite el mismo motivo con cada vez más fuerza y velocidad. Pero amigos, lo que os voy a mostrar a continuación está a otro nivel. Una composición de Música Clásica moderna del año 1927 de unos 15 minutos de duración en la que aumenta gradualmente la intensidad en todos los sentidos. Manteniéndose siempre al mismo ritmo, los instrumentos de la orquesta se van incorporando poco a poco hasta armar el caos. Con esta descripción algunos ya habrán adivinado la obra a la que me estoy refiriendo. Así es: hablo del Bolero de Ravel. 

La verdad es que tiene una historia bastante curiosa. El compositor francés Maurice Ravel ya era muy famoso cuando compuso su Bolero. No paraba de recibir encargos por todos lados, incluyendo el de componer un ballet con carácter español. Y ahí es cuando Ravel, a sus 52 años de edad, cuando estaba empezando a sufrir problemas de demencia, compuso esta maravilla, lo que según él era un humilde "estudio de orquesta". Lo que no sabía es que su obra se haría famosa instantáneamente, siendo actualmente una de las obras de Música Clásica más escuchadas. Lo impactante fue cuando se hizo mayor y ya padecía problemas cerebrales serios, y escuchó su Bolero por la radio. ¡Se quedó asombrado por dicha obra debido a su evolución y aumento de intensidad, sin acordarse de que la había compuesto él mismo años atrás!

Este Bolero no es una obra cualquiera. Ravel optó por hacer algo experimental, novedoso, llegando hasta una composición prácticamente minimalista, adelantado para su época. El Bolero está compuesto en un 3/4, y la base es siempre la misma, de principio a fin: un tambor que imita el ritmo del bolero español. Hay dos melodías que se repiten en todo momento (2 veces una y dos veces otra): la "melodía principal", la más reconocible, y la "melodía secundaria", más triste y misteriosa. Lo magnífico de la obra es la manera en la que evoluciona. Empieza sonando el tambor, de la forma más suave posible, y luego la flauta travesera toca por primera vez la melodía principal, acompañada del pizzicato de los violines. Luego llega el turno del clarinete, después el fagot con la melodía secundaria, y así sucesivamente las dos melodías van pasando de un instrumento a otro. El acompañamiento se mantiene igual, pero va cambiando de instrumentos y haciéndose más fuerte. Así vemos cómo poco a poco va aumentando la intensidad, con cada vez más y más instrumentos. Ya casi a los 10 minutos aparece el bombo, que le da fuerza a la obra, y finalmente, con todos los instrumentos incorporados tocando lo más fuerte posible, Ravel decide acabar ahí con una outro de lo más caótica.

Pero lo mejor para comprender el Bolero es escucharlo por uno mismo. Si tenéis quince minutos, os ruego que lo escuchéis entero para que veáis cómo va cobrando fuerza. Os dejo la versión que más me gusta a mí, y luego una versión en directo, ya que va a ser interesante que veáis cómo actúan los instrumentos de la orquesta:

 

Espero no haberos hecho perder el tiempo en escuchar esto, porque igual os ha parecido un muermo, o quizá os haya impactado tanto como a mí. En serio, cuando descubrí esta maravilla, me quedé con los pelos de punta 💓. ¿No os acordáis cuando os hablé de Rhapsody in Blue, mi obra favorita? Pues ha temblado al encontrarse en mi mente con el pegadizo Bolero. En serio, un poco más y le quita el primer puesto. Con esto os digo que el Bolero de Ravel es mi segunda obra musical favorita. Rhapsody in Blue sigue siendo insuperable, y no la puedo comparar con una obra experimental de este tipo ya que cada una tiene una energía distinta. Rhapsody in Blue es delo más completa, mientras que el Bolero de Ravel tiene una magia increíble, aunque también da lugar a muchos mensajes. Por ejemplo, que la vida de una persona es como el Bolero. Va evolucionando, y nosotros decidimos si hacerla monótona o hacerla interesante. A mí me gusta interpretar como que dicha persona es el tambor que no cesa y los instrumentos representan las experiencias vividas o las personas que lo acompañan a lo largo de su vida. En resumen, al ser una obra tan peculiar no le gusta a todo el mundo. Incluso yo mismo a veces me cuestiono si algún día me cansaré de tanto bolero y tanta repetición, o será una obra que seguiré escuchando durante el resto de mi vida, con el amor y la pasión de cuando la escuché por primera vez 😊.

Pero bueno, no me enrollo más. Espero que os hayan sorprendido estas tres singulares composiciones, especialmente la última de ellas. Si conocéis alguna obra similar, hacérmelo saber a través de los comentarios, porfi 😋😏. Por último, si queréis empezar a componer vuestras propias canciones, ya habéis visto que la repetición os puede ser de gran ayuda, sobre todo si se usa correctamente. ¡Además, os ahorráis bastante tiempo! 😆😆. 

 

 

El oído absoluto

 

¡Bienvenidos a una nueva entrada! Hoy os quería hablar de un asunto del que os quise hablar hace tiempo. Se trata del oído absoluto, y os responderé a algunas preguntas sobre esta extraña habilidad que tienen algunas personas. ¡Allá vamos! 👂🎵

 

 

1. ¿Qué es el oído absoluto?

Con oído absoluto es a lo que se relaciona con la habilidad de identificar o reproducir cualquier nota musical concreta sin tener referencia alguna de otras notas. Por ejemplo, si un pianista te toca un La y tú sin mirar la tecla que ha tocado aciertas la nota con facilidad, significa que tienes oído absoluto. 

2. ¿Tienes oído absoluto?

Sí, yo tengo oído absoluto. En parte por eso estoy escribiendo esta entrada, ya que os puedo informar mejor sobre el tema teniendo en cuenta que he experimentado en persona lo que es. No me gusta decirlo, pero bueno, ya sabéis una cosa más sobre mí.

3. ¿Qué porcentaje de personas posee esta habilidad?

Según datos actuales, lo poseen 1 entre cada 10000 personas en todo el mundo, lo cual significa que lo tienen un total del 0,01% de la población. Entre estas personas, se encuentran Mozart, Freddy Mercury, Michael Jackson, Stevie Wonder, Mariah Carey, y por supuesto, nuestro queridísimo Johann Sebastian Bach, que si te das cuenta, son individuos que se han dedicado a la música de manera profesional.

4. ¿Cómo se siente al tener oído absoluto?

No sé. Simplemente puedo identificar las notas sin ninguna referencia, pero más allá de eso no hay nada más oculto. Es como distinguir colores. Cuando ves ésto: 💙, ves que es de color azul sin dudarlo. SIENTES que es de color azul. Pues con las notas ocurre igual, yo oigo una nota y la identifico igual que un color. 

Cuando suenan notas a mi alrededor, en mi vida cotidiana, puedo identificar sin problema qué notas son, como el timbre de mi casa, la campana del horno o una ambulancia pasando por la carretera. No sirve para absolutamente nada, pero bueno. Además, para mí la tonalidad en la que esté una canción es muy importante. Imagínate escuchar tu canción favorita un par de tonos más arriba. Para ti sonará igual, solo que más aguda. Para mí también sonará así, pero como que siento otra cosa en mi interior cuando la escucho así, como que al cambiar las notas siento como otras sensaciones por mucho que sea exactamente la misma canción. Quizá por eso la modulación o el cambio de tonalidad sea mi técnica favorita. ¡Me vuelve loco! 🥵

5. ¿Cómo puedo conseguir tener oído absoluto?

Lo más común es conseguirlo con un entrenamiento musical a temprana edad. En mi caso, empecé a dar piano y lenguaje musical a los seis años. Quizá por eso ya comenzase a desarrollar mi oído absoluto a partir de los nueve o diez años. Aun así, los científicos aún tienen muchas preguntas acerca de cómo surge este talento misterioso. De ahí viene el porcentaje tan bajo. Si ya de por sí pocas personas dan clases de música o tocan algún instrumento, imaginaros seleccionar a muy pocas personas de ese pequeño grupo para que tengan oído absoluto.

6. ¿Hay alguna otra opción que se parezca al oído absoluto, aunque no sea lo mismo?

 Si ya eres más mayor y piensas que es demasiado tarde, existe otra alternativa que hará a tu oído muy poderoso: el oído relativo. Éste, a diferencia del oído absoluto, significa básicamente que puedes identificar las notas, habiendo tenido antes referencia de una nota anterior. Es decir, te digo: "Voy a tocarte un La", y te lo toco, y luego te digo: "Voy a tocarte otra nota". Si tú a partir de ese La sabes cuál es la nota misteriosa con soltura, enhorabuena, tienes oído relativo. Es mucho más fácil de conseguir si vas entrenando y adquiriendo experiencia, y en ocasiones puede llegar a ser incluso mejor valorado que el oído absoluto, ya que comprendes la teoría de forma práctica. El oído absoluto es el talento; el oído relativo es el esfuerzo.

7. ¿El oído absoluto te sirve para hacer algo útil?

Bueno... la verdad es que sí. Para lo que más me sirve es para replicar fragmentos de una canción con tan sólo escucharla, así como para plasmar melodías que tengo en mi cabeza en una partitura. Para esta última es para lo que más me sirve. No canto, pero a los cantantes les resulta útil para afinar mejor la voz y acertar la nota con más precisión. Por el resto, por mucho que esté contento de tener esta habilidad, he de admitir que si no vives con oído absoluto no te pierdes nada, porque no sirve para una mier⏹⏹.

Páginas musicales para perder el tiempo

 

Hola de nuevo. ¿Estás aburrido y quieres probar cosas inútiles? ¡Pues estás de suerte, porque hoy te traigo tres páginas webs relacionadas con la música con las que podrás pasar un buen rato! En su tiempo ya hablé de Radio Garden, pues hoy te traigo otras tres. Ya te advierto de que son algo curiosas, aunque te recomiendo echarles un vistazo. Tal vez conocías ya alguna de ellas, o quizá no. Lo averiguaremos ahora... 😏

1. LA PÁGINA WEB DE BACH:

Admitirlo, Johann Sebastian Bach es todo un crack. ¿Por qué si no la gente hubiera perdido su valioso tiempo en crear una página web exclusivamente para él? Se trata de un "Doodle" hecho por la empresa de Google, de hecho, si introduces "Bach" en el buscador de Google te saldrá un pequeño gif de una figurita en 3D de Bach tocando una especie de órgano. Pues si le clicáis en ese enlace, os llevará a la página web de la que os hablo.

 Google hizo esta pagina web para celebrar así el 334 cumpleaños de este compositor barroco, uno de los mejores de la historia. Para poder usar la página, puedes escribir con diversas notas y figuras musicales una melodía breve, que luego una Inteligencia Artificial armonizará a cuatro voces al estilo de como lo haría Bach, obteniendo resultados que, para quien escuche y sepa cómo es la música de este célebre músico, le parecerán muy acertados. Lo mejor de todo es que no es necesario tener conocimientos musicales previos, pero si los tienes, tu experiencia usando esta página será todavía más buena. La Inteligencia Artificial fue desarrollada mediante un proceso de aprendizaje automático, basándose en numerosas composiciones de Bach para hacer su trabajo. ¡Mis más sinceras enhorabuenas para quien se le haya ocurrido crear esta web, con la que además aprenderás algunas cosas sobre mi compositor favorito! 👏👏👏

2. TOUCH PIANIST:

Esta es una página web más simple, ya que ahora existe como una aplicación que te tienes que descargar (pero no te preocupes, porque si estás interesado en probarla con más profundidad es gratis 😎).  La cosa está en que, si la abres, te aparecerán como unas bolitas que, si tocas en cualquier zona de tu teclado o el botón de tu ratón, suenan notas de piano... ¡Que forman parte del muy conocido primer movimiento de la Moonlight Sonata de Beethoven! Si vas tocando, descubres que sí que es verdad que se forma la melodía de la canción, y puedes experimentar por tu cuenta tocándola a ritmo constante o variándolo tocándolo más rápido o más despacio según te parezca. Os garantizo que es muy relajante, pero ya sabéis, si queréis probar a tocar otras canciones sin saber siquiera tocar un piano, podéis descargaros la aplicación en vuestros móviles y pasar un rato reconfortante. Pinchad aquí para entrar a la página 🎹🎹🎵🎵

3. BLOB OPERA:

Blob Opera es otro proyecto de Google bastante divertido. Podéis acceder a la web pinchando en este enlace. Al igual que la web de Bach, ésta también está echa con Inteligencia Artificial. Con ella, ves a cuatro criaturas extrañas que saben cantar ópera a cuatro voces, y tú las puedes manejar a tu antojo para que canten cosas increíbles, seleccionando las notas e incluso la vocal que cantan. Los acordes se generan de manera aleatoria, intentando seguir una estructura acorde a las notas que seleccionas para dar los mejores resultados y dar una continuidad. Además, puedes seleccionar algunas de las canciones predeterminadas para que canten ellos solos. ¡Sin duda, esta web es bastante adicta!

Experimentos de aprendizaje automático como éste han sido creados por David Li, todo un genio. Y es que me gustaría hacer mención honorífica a algunas de sus páginas, también relacionadas con la música y con las que también podrás invertir tu tiempo, como ésta de aquí, que consiste en una especie de avestruz que toca el violonchelo 🎻, y esta otra de aquí, que también está bastante bien🕺.

 Si conoces más páginas webs extrañas relacionadas con la música, escríbeme por los comentarios 👇👇.  Pero recuerda, invierte tu tiempo de la mejor manera posible. No te enseño estas páginas para que pierdas horas de tu vida con el ordenador o con el móvil para hacer algo que no sirve para nada. Sé que puedes ser una persona más productiva, así que después de leer ésto, ve con tu familia o con tus amigos a pasar un buen rato (seguro que te echan de menos), léete un buen libro, aprende algo nuevo, diviértete con otra cosa y disfuta de la vida, porque el tiempo es oro y no hay que desperdiciarlo. O si puedes, toca y siente... 🎵

  

El arte de componer

 

 ¿Crear tu propia obra o canción requiere de mucho esfuerzo y conocimiento? ¿Es tan difícil como parece? ¿Cómo puedo llegar a conseguir componer mi primera obra maestra? Todas estas preguntas son las que responderé hoy en esta nueva entrada, hablando de algo que siempre me ha llamado la atención, especialmente desde hace prácticamente dos años. Y es que sí, alguna cosilla habré compuesto por ahí, pero algún día me gustaría componer algo "mayor" cuando disponga de más tiempo. Si te interesa este tema de la composición, quédate conmigo y verás lo impresionante que es el arte de componer. 😍

La dificultad de tu composición la pones tú mismo. No es lo mismo componer una canción infantil, que un tema de Pop, que una sonata como las de Beethoven o una ópera a gran escala de unas dos horas de duración. En otras palabras, dependiendo del tipo de música que quieras componer, y de si quieres hacer algo sencillo o complejo, será más fácil o imposible hacer una buena composición. Es cierto que actualmente, con las tecnologías de las que disponemos, se puede hacer un tema de Reggaeton en un abrir y cerrar de ojos, pero las obras de los clásicos se escribían a mano, mediante manuscritos. De esta manera, se está perdiendo un poco el cómo se componía antes, aun así, muchas personas siguen componiendo canciones de calidad. 

Un ejemplo que me gusta mucho de una composición muy, pero que muy sencilla y pintoresca, es la canción Jonathan, de Kamelo Punto Semos. Tanto la letra como la poca armonía que emplea la convierten en casi una broma, pero tiene lo suyo y es una canción como todas las demás. De verdad que es un ejemplo a seguir para aquel que quiera componer algo fácil y divertido. Tiene hasta su videoclip y todo😂😂😂.

Pero... ¿y si quiero componer algo más serio?, te estarás cuestionando. Bueno, ahí sí que hace falta más esfuerzo para conseguir el producto que deseas y que la audiencia se sienta satisfecha. A pesar de no tener mucha experiencia componiendo, te dejaré mis humildes consejos para conseguir una obra de calidad. Estos consejos son de papel y bolígrafo, así que anota si los vas a emplear en un futuro ✎:

1. CUANTO MÁS CONOZCAS DE LENGUAJE MUSICAL, MEJOR: Éste es uno de los pilares fundamentales de una composición: la teoría que hay detrás. Si tienes poca experiencia en lenguaje musical, ésto podría limitarte a la hora de ponerte a componer. Por supuesto, la idea de tu propia obra puede resonar en tu cabeza sin experiencia, pero teniendo un nivel de conocimiento avanzado sabrás aquello que es más adecuado incluir, consiguiendo las mejores combinaciones posibles. Otro elemento de una composición son los acordes que emplees, es decir, la armonía en sí. La manera en la que utilices estos acordes definirán mucho a tu composición. Claro que aprender armonía no es nada fácil... Otras ventajas podrían ser conocer los instrumentos musicales y sus respectivos sonidos, además de un buen oído, ya sea absoluto o relativo (capacidades que requieren años de experiencia en el campo de la música, aunque el oído relativo es más fácil de obtener). Como persona que posee oído absoluto, he de decir que me ha ayudado bastante a la hora de transcribir mis ideas. Sacarlas de la cabeza y plasmarlas en una partitura configuras y notas.

2. ESCUCHA MUCHÍSIMO ANTES DE COMPONER: Esta es una herramienta muy útil, como un arma que hará que tu obra absorba calidad sin apenas esfuerzo. Al igual que conocer la teoría, inspirarte escuchando mucha música te ayudará considerablemente sin que ni siquiera te des cuenta. ¡Ojo que hablo de inspirarte, y no de copiar fragmentos exactos de obras musicales! (Bueno, si lo haces con muchísimo disimulo, cambiando cosas, se acepta). Otra cosa importante es escuchar el género de música adecuado, el que más se acerque a lo que quieras componer. Si quieres componer al estilo barroco, escucha Bach, Vivaldi o Rameau, si optas por lo clásico ponte a Mozart, Haydn o incluso Beethoven. Si quieres componer algo de Música Clásica del Romanticismo, escucha a Liszt, Rossini, Chopin o Tchaikovsky (ya dependiendo de tus gustos), y si quieres algo más contemporáneo opta por compositores modernos. Y si no estás interesado en la Música Clásica y quieres componer algo de Pop, Rock, Jazz o cualquier otro estilo, escucha a los artistas más famosos y reconocidos de sus respectivos géneros. 

En resumen, inspirarte de otras canciones y otros compositores, así como de los instrumentos y de las técnicas que utilizan, es necesario en el proceso de la composición. ¿Cómo crees que los compositores consiguen sus obras? Más del 90 por ciento consiguen productos de gran calidad inspirándose en los otros músicos. La música está llena de pequeños y sutiles plagios. De ahí que la música no viene sola, sino que EVOLUCIONA.

3. INFÓRMATE ACERCA DE QUÉ MANERA TRANSCRIBIR TUS IDEAS: Imagínate tener que componer algo para una orquesta de multitud de instrumentos. Debes saber bien cómo sonarán todos los instrumentos si suenan juntos. Para ello, infórmate acerca de aplicaciones que te puedan ayudar a dar forma a tu música. Personalmente, Musescore es una buena alternativa y se adecúa a mis necesidades. También sirve para componer de otros géneros musicales, ya que tiene también bajos, percusión, instrumentos eléctricos y sintetizadores. Existen infinidad de aplicaciones que te pueden ayudar a hacer tu composición realidad. Incluso puedes acudir a la ayuda de algún músico profesional si te encuentras muy perdido en este mundo de la composición (Yo no soy ningún profesional, así que de mí olvidaros 😜. Yo estoy aquí solamente para intentar orientaros).

4. SÉ CONSTANTE: Tener una actitud positiva y una buena autoestima es lo más importante, especialmente si eres muy perfeccionista y quieres componer algo serio que requiera de un "esfuerzo extra". Recuerda que nunca debes rendirte ni dejarlo a medias, porque en menos que te des cuenta, ya la tendrás hecha como lo deseas. Si quieres componer algo que dure más de una hora, con la ayuda de la constancia y meses de trabajo podrás conseguir hasta lo que parecía en un principio imposible. Por mucha teoría y música que conozcas, no te servirá para nada si no cumples con este requisito. ¡Así que ánimo, que tú puedes con ello! 💖👏👏👏

La Orquesta del Titanic

 

¡Saludos, amantes de la música! Aparte de ser un apasionado de la música, tengo otras aficiones, desde coleccionar todo tipo de cubos de Rubik hasta jugar a juegos de mesa. Pero, como deduciréis en el título de esta entrada, voy a hablaros de un barco que desde hace muchos años me ha estado cautivando tanto por su aspecto como por su historia: el mismísimo Titanic. ME ENCANTA este barco, y siempre me gusta aprender cosas nuevas sobre él, más allá de que se chocó contra un iceberg en la noche del 14 de abril de 1912 (su hundimiento cumple hoy 113 años 😉). ¿Y por qué no aprender sobre algo que mezcle Titanic y música? ¡Pues estás de suerte, porque hoy vas a aprender algo más de este famoso trasatlántico🚢🚢🚢! 

Si has visto la película homónima de James Cameron, te acordarás de que había unos violinistas que tocaban durante el hundimiento del Titanic. Pues esos músicos no son inventados por la película. ¡Existieron en la vida real y estuvieron a bordo del barco!

Esta orquesta del Titanic estaba formada por ocho músicos, cada uno con su especialidad: Jock Law Hume (violín), George Krins (violín), George Woodward (cello), Roger Bricoux (cello), Percy Taylor (piano), Ted Brailey (piano y órgano eléctrico), Fred Clark (contrabajo), y por último y más importante Wallace Hartley, el cual ejercía de violinista y director. 

Estos músicos, contratados por la White Star Line (la empresa que se hacía cargo del Titanic y otros grandes barcos) dormían en habitaciones de segunda clase, pero por lo general tocaban en salas de primera clase. Al parecer, hasta el momento del hundimiento, no tocaron nada los ocho juntos. Se reunieron con el director en un salón de primera clase tocando todo el repertorio que se sabían, como un intento de que las personas a bordo no perdiesen la calma. Y si hablamos de las canciones que se tenían que memorizar, se asegura de que eran más de 350 obras diferentes, entre las que destacaban valses, óperas, Ragtime y otros géneros alegres. Más tarde, se pusieron a tocar en la popa del barco hasta prácticamente hundirse el barco por completo.

Al igual que en la película, según algunos supervivientes, la última canción que tocó la orquesta antes de disolverse fue el himno Nearer my god to thee (Más cerca, oh Dios, de ti), como último símbolo de esperanza. Y es una pena, porque ninguna de estas ocho personas, ni siquiera Walllace Hartley, sobrevivió al hundimiento del Titanic por la falta de botes.

En resumen, estos músicos serán recordados por su gran heroísmo, porque hicieron lo mejor que se podía hacer: mantener la calma, morir con dignidad y tener pasión por la música hasta el final, a pesar de que eran conscientes del problema y de que iban a fallecer muchos de los que estaban a bordo del trasatlántico. ¡Esa sí que es la actitud no solamente de una buena orquesta; también de personas con una actitud ejemplar! 👏👏👏👏

 Si te ha gustado esta entrada, déjamelo en los comentarios, porque a mí, con lo fan del Titanic que soy, me ha encantado traer este tipo de contenido en el blog. Ni yo sabía tanto sobre esta orquesta, pero el trabajo de investigación que he hecho ha merecido la pena; he disfrutado escribiendo cada palabra. 

Y esto ya no tiene nada que ver con la música: Si queréis saber más acerca del Titanic, podéis pinchar en este enlace y ver cómo fue la tragedia del Titanic en tiempo real. ¡Hasta otra entrada! ¡Y que la música resuene siempre en vuestro interior! 🎻🎻🎻