Hola de nuevo. Aquí Musicianix otra vez, y esta vez con una entrada que tiene que ver con programación. Y es que hace algunos años que hice algunos proyectos usando una página web de programación básica. Dicha web es Scratch, y personalmente me gusta mucho para el tema de hacer tus propios videojuegos, porque es muy intuitiva y fácil de usar. Pero hoy no vamos a hablar de videojuegos, sino de la música en sí. Solamente las posibilidades que nos brindan la música y la programación si se dan de la mano. Así que vente conmigo y aventúrate en los proyectos que tenía pendiente enseñaros hace mucho, mucho tiempo.
Para comenzar, os voy a enseñar un proyecto que descubrí que se podía hacer en este programa, y si seguís los pasos correctamente, podéis hacerlo vosotros también. Se trata de un piano virtual, donde si le das a las teclas, suenan como las notas correspondientes de un piano. Yo nunca he probado a hacerlo, pero me gustaría hacerlo algún día para poder experimentar con otros sonidos. Estaría muy curioso y divertido. En único que encontré es este de aquí, que aunque se pudiese mejorar añadiendo al menos las teclas negras, está bien como base.Si alguien quiere hacer su propio piano virtual, puede verse el siguiente tutorial 😁: https://www.youtube.com/watch?v=lKL9uom1D-U
El segundo proyecto que os traigo ya sí que es mío. Me da mucha, pero que MUCHA VERGÜENZA. Pero muchísima, y en cuanto lo veáis comprenderéis por qué. La calidad del audio es pésima porque grabé las canciones con el móvil, y encima de todo Pingu tiene mi voz, aunque algo modificada para que sea más grave y como con "acento cubano". Pero bueno, qué queréis que le haga, era un crío de quince años casi sin experiencia. Podéis pinchar aquí para echarle un vistazo.
Y sí, por mucha vergüenza ajena que de, es bastante creativo para hacer cantar a las personas, en este caso, a un público más infantil. Y de paso, que se rían un poco con el carisma de este pingüino tan divertido. 🐧🐧🐧
Y bueno, el último proyecto es como un "extra", ya que tampoco es gran cosa. De un día que me dio por hacer mezclas raras con una melodía que venía incluida en los efectos de sonido del Scratch, un poco hacer como en el Canon del Cangrejo de Bach que vimos hace dos entradas, pero a un nivel de aburrimiento extremo, y eso que por aquella época apenas escuchaba a este compositor y ni siquiera conocía este canon. A fina queda curioso; simplemente dadle acá 👈 y simplemente dadle al play para escucharlo.
Esto ha sido todo. Ya veis las posibilidades que nos da la programación básica para jugar con la música. ¡No me quiero ni imaginar las cosas que se podrían hacer con un lenguaje de programación más avanzado! 👾👾👾👾👾👾👾
Si eres de aquellos de piensan que la Música Clásica no sirve para nada y se va a extinguir pronto, tienes que mirar esta entrada, porque estás equivocado. Escuchar en tu día a día los géneros de música actuales está haciendo que tengas esos pensamientos malos acerca de la música clásica, que seguramente veas como algo que está anticuado y obsoleto y que ya no se usa. Y es que tú mismo dices: "Es que yo no escucho Música Clásica, es muy aburrida", pero en realidad sí que la escuchas de manera inconsciente, y no creo que te desagrade. ¿No me crees? ¡Comprobémoslo juntos! 😄
Para empezar, la Música Clásica sigue evolucionado por mucho que sea un género apartado por los demás géneros como el Pop, el Heavy Metal o el Reggaeton. Hay pocos y muy poco conocidos compositores actuales que componen aún obras de Música Clásica, aunque de manera algo incierta. Unos compositores están influenciados por la música clásica tradicional, otros por las últimas tendencias contemporáneas como el minimalismo... Por lo cual, la evolución de la música clásica es posible que por esa parte esté un poco estancada.
Por otro lado, esta música, por mucho que me insistas, no se va a dejar de escuchar hasta que pasen por lo menos algunos siglos más. O muchos, si me apuras. Y aquí los motivos que he seleccionado para opinar ésto:
1. LAS ORQUESTAS Y LOS INSTRUMENTOS MUSICALES SIGUEN SIENDO POPULARES: Si estás en el instituto, en la Universidad o en el trabajo, estoy casi seguro que alguno de tus compañeros o compañeras toca algún instrumento musical, ya sea el piano, la guitarra, la flauta travesera o el violín, o cualquier otro. Hoy día, ¿a quién no le gusta ver a alguien tocar alguno de esos instrumentos? Multitud de gente está interesada en aprender a tocar uno, llegando incluso a un nivel superior, aspirando a llegar al Conservatorio. Además, las orquestas de música clásica siguen muy activas. Por algo será, digo yo.
En resumidas palabras, la Música Clásica también mueve el dinero y sigue llamando la atención de muchos oyentes.
2. LA MÚSICA CLÁSICA ES UTILIZADA FRECUENTEMENTE EN PELÍCULAS, DOCUMENTALES Y VIDEOJUEGOS: Y así es. Una realidad que no se puede negar. Especialmente en los documentales históricos, este tipo de música es esencial, ya que da con la atmósfera adecuada dependiendo de la época de la que se hable. Con todos mis respetos, si a mí me pusiesen un documental de... yo que sé... Fernando VII (el primero que se me vino a la cabeza 😅) y tuviese Reggaeton de fondo, me entrarían ganas de vomitar, en serio. En los videojuegos también se usa el género clásico para lo mismo, para dar ambiente y contexto a aquel que juegue, incluso hay compositores que se dedican a crear piezas de este estilo para que el videojuego tenga su propia Banda Sonora.
En cuanto a las películas, no hay mucho que hablar. Si no has escuchado Música Clásica en al menos un par de películas, no sé qué cosas has estado viendo. Un buen ejemplo es la serie que más se está haciendo viral ahora. Sí, El Juego del Calamar ya te suelta dos obras conocidas en su primer episodio, y estoy convencido de que han sido clave en la serie, haciendo que los oyentes disfruten de su audiencia.
Quien lo recuerde, ya tendrá una nueva alarma que ponerse en el móvil con el Trumpet Concerto in Eflat de Haydn, y...
...ya no escuchará El Danubio Azul de la misma manera 💀
3. LOS ANUNCIOS TE OBLIGAN A ESCUCHAR MÚSICA CLÁSICA: Al igual que en las películas y en los videojuegos, cualquier medio audiovisual introduce la Música Clásica acompañando a lo que ves en las pantallas. Y últimamente, y no es broma, he visto una cantidad bastante exagerada de anuncios que, modificando un poco la melodía, utilizan temas muy conocidos para anunciar sus productos de la mejor manera. ¡Podría poner tantos ejemplos, que no sabría cuáles debería poner primero!
(Ese de ahí me sorprendió mucho cuando lo escuché porque incluye mi composición favorita de Franz Liszt. 👆👆👆)
Ya os dijo, os podría poner infinidad de ejemplos de anuncios muy actuales que usan esta música, pero no me pagan por poner estos anuncios así que sigamos. 😉
CANCIONES ACTUALES TIENEN COMO BASE OBRAS CLÁSICAS FAMOSAS: Este tema es del último del que os quería hablar hoy. Y es que hay ciertas canciones que se han hecho muy famosas utilizando como base musical temas famosos de Música Clásica, haciéndoles como una especie de "Remix". Es como en los anuncios que os enseñé antes, pero a otro nivel. De los dos ejemplos que os voy a poner, el primero es mi favorito. Combina mi canción favorita de Bach (la Suite No. 3) con un rap con partes cantadas, lo cual parece una mezcla imposible, pero queda como un bombón de tres chocolates en mi lengua 💕💕. Toda una delicia. (Si te preguntas por qué nombraré a Bach en casi todas mis entradas. Es porque, si a estas alturas no lo sabías, es mi compositor favorito, nene). La segunda canción es del revolucionario género del KPop, y la verdad es que también hacen una combinación bastante buena, aprovechándose muy bien de la composición de Paganini. Aunque no escuche este tipo de música, me gusta cómo queda.
En conclusión, como ves la Música Clásica es más útil de lo que esperabas, y espero que dure hasta la eternidad porque es según mi punto de vista la mejor música. Y a ti, ¿te gusta la Música Clásica? Si es así... ¡Sígueme! 😃
Hola de nuevo, mis músicos. Hoy tengo para todos vosotros una entrada un poco diferente. Ya habréis visto el título, supongo. El objetivo que tengo con estas curiosidades musicales que os voy a mostrar a continuación es haceros volar la cabeza. 😵😵😵😵 Y de paso que paséis un rato divertido. Poneros cómodos, porque empezamos con la sesión de paradojas mentales (creo que estoy exagerando un poco, jaja). Te aconsejo quedarte hasta el final, porque la última curiosidad te sorprenderá. 😏
1. EL CANON DEL CANGREJO 🦀
La música siempre ha tenido cosas curiosas que esconder. Y ésto no solamente sucede en la actualidad, sino que también ya nuestro amigo J.S. Bach en el Siglo XVIII quería hacer pensar a sus intérpretes si éstos se atrevían a tocar sus composiciones. Y es que este compositor hizo algunas canciones enigmáticas en los que el propio intérprete tenía que quebrarse la cabeza para poder tocarlas. Además, Bach guardaba un segundo secreto en su música, llamado "El Motivo Bach". Tú ponte a pensar. B...A...C... y H, que en nuestra notación significa "Si bemol, La, Do, Si natural". ¡Bach incluía este conjunto de notas en sus obras! ¡Es como si las firmara! ¡Es increíble!
Por último, me gustaría mostraros un Canon de este mismo compositor que cuando descubrí me pareció muy divertido y enigmático. Dicho canon es el Canon del Cangrejo, una singular pieza de música con la cual puedes jugar y siempre va a sonar bien hagas lo que le hagas. Si la tocas bien, si la tocas al revés, si la pones con forma de Cinta de Moebius... ¡Da igual!
Y este es otro motivo por el que Bach está en mi Número 1 de compositores favoritos. Era todo un crack el tío.
2. WEIGHLESS 🌌
Ahora sí, pasemos a cosas más actuales para quien le aburra el pasado. La segunda canción que os presento y que se hizo muy viral se llama Weightless, que en español significa algo así como "Sin gravedad" o "Ingrávido", y fue compuesta por científicos y neurólogos. Para quien no la conozca, es una melodía que sirve para relajarse. Dicen que escuchando 5 minutos de esta música ya te relajas, pero por si acaso, Weightless dura ocho minutos. Y la curiosidad que esconde esta canción es que te relaja no solamente por el instrumental calmado, sino porque va disminuyendo su ritmo progresivamente, el cual está marcado por una especie de latido de corazón que va a 60 pulsaciones por minuto. Y es que dicen que ese ritmo se coordina con nuestro corazón, por lo cual, si el tempo de la canción disminuye, los latidos de nuestro corazón también lo hacen, y por eso nos sentimos tan relajados al final.
Por lo que he oído, funciona bastante bien. Yo lo probé de antemano estando un poquitín nervioso por un viaje a Madrid que tenía al día siguiente, y la verdad que relajó bastante, pero personalmente no tanto como hubiera deseado. Sinceramente, el final de La Canción de la Tierra de Mahler me relajó mucho más. El fallo es evidente. Weightless no disminuye el ritmo tan bien como debería, es decir, en los primeros cinco o seis minutos el ritmo no cambia casi nada hasta llegar a sus últimos minutos, donde ya se nota la diferencia. Si el ritmo hubiera yendo disminuyendo muy poco a poco durante los ocho minutos de duración, hubiera sido un momento más satisfactorio. Pero como digo, ésta solo fue mi experiencia personal. Si hay gente que le funciona, perfecto. ¿A vosotros os funciona?
3. EL TECLADO INFINITO 🎹
Hace unos meses que me topé con este misterioso teclado infinito. Lo puedes escuchar miles y millones de veces, que nunca se acabará. Para poder escucharlo infinitamente, pincha aquí👈 (No es Rickroll, tranquilos).
Si ya lo habéis escuchado y os habéis quedado con la boca abierta, yo os diré el secreto de este piano tan peculiar, que comparado con los cánones de Bach, no tiene una ciencia muy compleja. Simplemente hay dos notas sonando a la vez, una aguda y otra grave, y en un momento determinado, la nota aguda desaparece disimuladamente dando paso a la grave, que en ese momento ya es lo suficientemente aguda para pasar desapercibida y continuar la cadena. De esta manera se crea esta ilusión sonora, conocida formalmente como la Paradoja Auditiva de Shepard. ¡No te dejes llevar por ella! 😵🙀
4. LA PRIMERA CANCIÓN HECHA POR UN ORDENADOR 🤖
Esta es otra curiosidad que conocí hace relativamente poco, y me pareció interesante incluirla en la entrada. Se trata de Daisy Bell, la primera canción hecha por un ordenador de laboratorio en el año 1961, concretamente un IBM 7094. Fue exclusivamente programado para que pudiera cantar, y aquí tenéis los resultados, con animación y todo. En realidad, la canción ya existía de antes, compuesta por un tal Harry Dacre en 1892.
En la actualidad, con la de posibilidades que hay con las nuevas tecnologías, ya se pueden componer desde pequeñas obras hasta sinfonías enteras con el uso de la Inteligencia Artificial, aunque todavía suenan algo secas, si sentimientos. Espero que no le quite el trabajo a los compositores del futuro. Nunca se sabe si sucederá. ¡Espero que no!
5. SUPER MARIO BROS🎮
Para mí, esta es la curiosidad que más me rayó la cabeza de todas. No es ninguna paradoja ni ningún enigma extraño, es simplemente una curiosidad que todos los fans de los videojuegos de Super Mario seguramente no conozcan. No os preocupéis, ahora me entenderéis.
¡Hola! Sé que hoy no tocaba entrada nueva, pero aquí estoy con una nueva entrada totalmente improvisada. Y es que un amigo mío hizo resurgir su blog, llamado "MOMOS" recientemente, y selecciona memes de lo más peculiares para publicarlos en su blog, bautizándolos como "Momos". Y justo hoy, ha decidido poner momos relacionados con la música, sobretodo con la Música Clásica, así que colaboraré con él y analizaré los momos que ha seleccionado para su entrada.
Si estás leyendo esto en San Valentín, y eres un aficionado de la música pero no tienes un amor con el que pasar el día, esta entrada será perfecta para que al menos pases un rato gracioso. ¡Así que ponte cómodo porque allá van esos momos! 👀
Este primer momo es un buen momo para calentar, y nos habla de un tema social que no solamente está presente en la música, sino en todos los ámbitos: el Copyright o los derechos del autor. Y es que literalmente, en los años 30 y en épocas anteriores podías utilizar la música de alguien sin pagar un precio a cambio, y en la actualidad como que no puedes usar la música sin tener un problema de copyright siempre a tu lado. También es que con los escasos medios tecnológicos del pasado, apenas se podía impedir usar la música de otra persona. Un buen momo que nos transmite algo por lo que muchos han pasado.
Bueno, ese que tenéis arriba es el segundo momo, que personalmente me ha parecido muy gracioso. 😂😂😂😂 Está comparando a los mejores pianistas de la historia (como lo eran Mozart en el clasicismo, Chopin en el Romanticismo, y Beethoven como transición, totalmente verídico), con un simple conejo marrón, de nombre Cuyin. Sin duda, el contraste es lo que hace a este momo divertido, ya que es de lo más absurdo. Si Beethoven viese este momo, ¡no sé cómo se lo tomaría! 😅
Este momo es el más ingenioso de la lista. Yo creo que todos entendemos el chiste (Vivaldi - Vivo, Muertaldi - Muerto). Un juego de palabras que nunca se me habría ocurrido. Ahora, cuando mañana vaya al grandioso concierto donde se interpretarán "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi a la luz de las velas, no pensaré en Vivaldi, sino en Muertaldi 💀.
Aquí, una persona se está comparando con dos de los compositores más conocidos de todos los tiempos, pero en forma de parodia, destacando sus defectos. A la izquierda no sé por qué pondrá "El violín más pequeño del mundo"; no creo que sea nada relevante. E investigando un poco acerca de si de verdad Beethoven tuvo problemas con el alcohol, he descubierto que algunos médicos y biógrafos lo afirman. En cuanto a la pobreza de Vivaldi, es también cierto, ya que a pesar de ser bien reconocido especialmente en Italia, acabó siendo un compositor pobre cuya música del Barroco tardío dejó de atraer al público. ¡Y no sé qué le pasa a mi amigo con Vivaldi para que lo ponga en tantos momos! Yo creo que le ha gustado 😏. En fin, si te quieres humillar a ti mismo, ahí tienes el momo que necesitas, campeón.
Es triste, pero aquí estamos con el último momo, y para mí el más impactante. Y lo mismo dijo, Beethoven ya ha aparecido en tres momos, pero lo respeto porque Beethoven sí que es más conocido por todo el mundo. Y la verdad es que al principio vi este momo con malos ojos, pero luego descubrí su grandeza. En serio, quien haya creado este momo es todo un genio de la música, por muy obvio que sea el momo en cuestión.
Te pongo en contexto: Beethoven al principio no era sordo; realmente empezó a padecer una sordera progresiva a partir de los treinta años hasta acabar sin oír apenas nada. Ya antes de este problema era altamente reconocido por su música, y su sordera no le impidió seguir adelante debido a su fuerte carácter, y sobretodo a la música, la cual lo motivó a no suicidarse. Y lo bueno es que resulta que la música de Beethoven no siempre fue bien recibida por el público, como su Sinfonía No. 3. Beethoven era un grande; quería revolucionar, pero la gente no aceptaba sus cambios. Y al igual su música seguramente era discriminada por la gente por haberlas hecho con su sordera, sin embargo, él no se rindió y les mostró la mejor música. De ahí que surja este momo tan grandioso.
Y si después de esto sigues estando triste y solo por San Valentín, no te preocupes. Yo estoy soltero y tan feliz... "La única historia de amor que he tenido... ha sido con la Música Clásica". Esa frase me marcará por siempre.
Aun así, te dejo un momo extra de mi parte. ¡Y ES QUE BACH TAMBIÉN SE MERECÍA SU MOMO! 👇👇😝😝
¡Hola, amantes de la música! Hoy os traigo con una entrada especial. ¿Y por qué es tan especial? Porque hoy os vengo a hablar... sobre mi OBRA FAVORITA. Sí, da igual contra cuáles se enfrente y de qué género, pero desde hace casi un año (según va a programar esta entrada el Musicianix del pasado), desde que descubrí esta composición, me enamoré de ella y se convirtió en mi favorita de todas conforme la fui escuchando una y otra vez, cada vez admirándola más. 💖
Probablemente no conozcas la obra de la que te voy a hablar en esta entrada, cuyo título está arriba en letra grande (o igual sí), ¿pero de qué género piensas que va a ser? Yo creo que quien me conozca más y haya visto mis anteriores entradas sabrá que Bach es mi compositor favorito y seguro que es de él. Pero una cosa es el compositor que tenga yo como favorito, y otra la obra que más me guste. Bach es un compositor exquisito y tiene algunas obras dignas de mención, pero dudo que alguna de sus composiciones llegue a gustarme para un Top 5 o más. Si no es Bach, igual estarás pensando en alguna canción de Pop ochentera o noventera , cuyos estilos me gustan mucho, pero la obra tampoco pertenece a esta categoría. ¿Entonces qué? ¿Es algo de Música? ¡Sí... pero digamos que es algo diferente! 😅 Se trata de una composición perteneciente a la etapa de Música Clásica Moderna, y dicha obra se denomina Rhapsody in Blue, de George Gershwin. Pero antes de empezar con lo bueno, recuerda que ésta es personalmente mi canción favorita, y no significa que vaya a ser la tuya también, así que no te extrañes si la estoy sobrevalorando mucho. ¡Ahora sí, comencemos! 😃
(Elegí esta versión de la obra porque Dudamel, el director, me encanta. Otra versión que me gusta mucho es la del pianista Lang Lang, por si queréis echarle un vistazo también).
Rhapsody in Blue fue compuesta por un compositor estadounidense, llamado George Gershwin, en el año 1924 (fijaros en que la obra cumple prácticamente 101 años desde su composición). Este compositor fue conocido por combinar con una perfección increíble dos géneros que a primera vista parecían opuestos: por un lado, lo tradicional (la Música Clásica), y por el otro, lo que se empezaba a llevar en Estados Unidos (el Jazz 🎷), y Rhapsody in Blue no fue una excepción, y los que sepan sobre cómo son ambos géneros sabrán de lo que estoy hablando. Esta composición fue creada en una época en la que empezaban a surgir estilos diferentes que no tenían nada que ver con cómo estaba evolucionando la Música Clasica. Un ejemplo fue el Ragtime, puesto de moda por Scott Joplin a principios del Siglo XX, además de la ya mencionada música Jazz. Aun así, la composición de Gershwin no se quedó atrás y triunfó de tal manera que llegó a nuestros días tal y como la conocemos. En resumen, a pesar de incorporar elementos jazzísticos, se considera claramente Música Clásica, que de hecho estuvo influenciada por algunos de los compositores más destacados de la época, como Debussy o Ravel.
¿Sabías que Rhapsody in Blue estuvo a punto de no haber existido
nunca? ¡Fue un éxito totalmente improvisado! Resulta que un señor
llamado Paul Whiteman le encargó a Gershwin componer una composición sinfónica para el concierto Un Experimento en música moderna a finales del año 1923, pero este último olvidó la
proposición hasta tiempo más tarde, cuando leyó en los periódicos sobre el concierto de Whiteman y su nombre. Así que de forma apresurada decidió
presentarse al reto componiendo la obra en solamente cinco semanas,
justo a tiempo para el concierto... ¡Y de una exquisitez jamás vista!
Ya que hemos hablado de la historia de esta obra, voy a analizar su estructura, y a la vez analizaré DE FORMA TOTALMENTE SUBJETIVA el mensaje que me transmite cada parte. Según Gershwin, su pieza, al ser una Rapsodia, se divide en cinco partes diferentes: Ritornello, Train, Stride, Shuffle y Love, repartidas por toda la obra, pero para no hacernos un lío, llamaré a los temas como considere adecuado, así que también analizaré la estructura un poco "a mi manera", ya que tampoco soy un experto jeje 😜. Por cierto, el título Rhapsody in Blue no solamente se refiere al color azul, sino que hace referencia a un género derivado del Jazz. Aclarado ésto, allá vamos 🚂. (La analizaré acorde con el vídeo que os he puesto arriba 😉).
1. TEMA INTRODUCTORIO O TEMA PRINCIPAL (0:34 - 5:03):
El tema arranca perfectamente con un solo de clarinete breve, pero muy complicado para aquel que lo hace, con un acompañamiento de algunos instrumentos de viento metal de la orquesta. En la época en la que Gershwin compuso ésto, Estados Unidos estaba en su mejor momento, con las grandes ciudades desarrollándose y con la industria más modernizada. Por este motivo, cuando estucho esta primera parte, me imagino la formación y aparición de una ciudad. Un lugar que pasa de estar completamente vacío a estar totalmente lleno de vida urbana. Los edificios emergen del suelo y los coches empiezan a circular por la carretera mientras sale el Sol.
El solo de clarinete se detiene, aparece una trompeta, y de repente, se despierta el piano, nuestro protagonista. El piano es la clave de la obra (al fin y al cabo se trata de un Concierto para piano, no nos olvidemos de eso). Y es que toda la obra es un conflicto entre dos bandos: el piano y el resto de la orquesta. La orquesta representa la ciudad y lo que conlleva vivir en ella, y el piano representará "el individuo que no se sabe adaptar a la vida urbana", al ritmo de la ciudad.
La orquesta se aviva, y luego el piano hace su solo. Cada solo de piano va a representar su punto de vista respecto a sus experiencias vividas en la ciudad. Durante este primer solo, toca a veces el tema principal, el cual se mezcla con otras melodías diferentes. Parece ser que aún la ciudad no le resulta un problema; su primer contacto con ella no ha sido tan malo. Al final de su solo, el piano toca rápido y fuerte y acaba reavivando a toda la orquesta, como si hubiese salido de su hogar y se empezase a adentrar en el ajetreo de la ciudad. Tras tocar el tema principal en tonalidad menor, se hace un ascenso hasta acabar en un acorde dominante, que servirá para cambiar de tonalidad.
2. BREVE TEMA DIVERTIDO (5:03 - 5:45):
Este pequeño tema que toca la orquesta en Do mayor suena bastante alegre y divertido (por eso lo he llamado así). Presenta algunas ventajas y costumbres que tiene la vida urbana, aunque al piano se le hace "una cuesta" entender tanta información de golpe. Finalmente, el clarinete los detiene y pasa a sonar otro tema importante.
3. TEMA INDUSTRIAL (5:45 - 6:32):
Con este tema que se repetirá más veces, la orquesta enseña al piano más sobre la ciudad, concretamente el tema de las fábricas y la industria. Nos demuestra que las ciudades de Estados Unidos son la mejor potencia industrial que existe en el mundo y la más moderna. De ahí que marquen mucho el ritmo, como si fuesen máquinas aplastando objetos y dándoles forma dentro de una fábrica, que incluso llega a sonar como un tren de vapor. Al final, se frena el tema y la orquesta toca por separado hasta resucitar bruscamente. Tras un segundo de reposo, empiezan a tocar otro tema totalmente diferente.
4. TEMA PROBLEMÁTICO Y SOLOS DE PIANO (6:32 - 13:39):
4.1: Los problemas llegan (6:32 - 7:29):
La orquesta inicia otro tema, pero éste ya no suena tan alegre. Poco a poco, va ascendiendo de tonalidad hasta culminar en el final tocándolo una octava más alta que en el inicio. El piano, mientras tanto, aporta breves adornos. Yo esta parte la interpreto como que la ciudad y los que habitan en ella empiezan a rebelarse contra nuestro protagonista, diciéndole que "tiene que espabilar si quiere llevar una buena vida". Las personas de alrededor, su jefe de trabajo y todo lo que le rodea le recrimina, como si el piano no estuviera haciendo las cosas bien.
4.2: Solo de piano Tema industrial (7:29 - 9:59):
El piano se altera ante todas estas recriminaciones, y va de un lado a otro, pero se tranquiliza rápidamente y se sumerge en sus pensamientos. Toca el Tema industrial que vimos anteriormente a su manera, una manera pacífica, como que nos quiere decir que rechaza el ritmo rápido de la ciudad y prefiere ir a paso lento y con calma. Va por libre, e incluso una trompa lo acompaña, pero acaba abandonándolo. La ciudad no se compadecerá con él tan fácilmente. El piano se desvía del tema.
4.3: Intermedio (Vuelta muy rápida al Tema principal) (9:59 - 10:43):
El piano se aviva, y algunos miembros de la orquesta se incorporan con él segundos más tarde para tocar el tema del principio de forma rápida y caótica, como si estuvieses dibujando garabatos sin sentido en un papel. Ésto para mí representa que el piano quiere "volver atrás", volver a sentirse más animado como cuando se despertó, pero ya es demasiado tarde. Ya no podrá escapar de la ciudad. Si quiere continuar viviendo una vida en condiciones, no tiene otra salida más que quedarse allí para el resto de sus días.
4.4: Los problemas persisten (10:43 - 13:15):
El piano continúa tocando libre e insatisfecho, hasta llegar a interpretar el Tema problemático entero por su cuenta, con los mismos cambios de tonalidad y al final casi con la misma furia que como lo hizo anteriormente la orquesta. Al principio, los problemas son pequeños y el piano se los toma con calma, e incluso con cierta gracia, sin embargo, acaba dejando claro que la ciudad no es para él. Acaba estallando de furia.
4.5: Pura tristeza (13:15 - 13:40):
Al saber que no puede hacer nada, el piano se siente triste y solo. Se mete en un callejón oscuro sin salida, se sienta en el suelo y se acurruca en un rincón, llorando desesperadamente. Aun así, para de llorar, cierra los ojos y empieza a proyectar imágenes en su mente.
5. TEMA ROMÁNTICO (13:40 - 17:04):
El individuo perdido, representado por el piano, empieza a ver un prado en un día soleado, lleno de hierbas y flores silvestres. Todo está calmado, en silencio, y hay un montón de personas que antes estaban en la ciudad alrededor de él, con una sonrisa en sus caras. La cosa se vuelve más intensa, y el piano se siente ahora en un momento de felicidad que nunca antes había experimentado. Ahora todo es como él lo desea: tranquilo, ecológico y en gran armonía. Este fragmento de la obra representa aquello que recordamos, soñamos y añoramos. Aquellos deseos que, por más que queramos, nunca se cumplirán.
Personalmente, esta es mi parte favorita de la obra, y no sé cómo Gershwin se las ingenió para crear una de las melodías más bonitas de la Música Clásica que he escuchado en mi vida. ¡Esto sí que es música escrita con amor! 😍😍😍
Por desgracia para nuestro protagonista, se despierta confuso de sus ilusiones y vuelve a la cruda realidad. De nuevo está solo, sin que nadie lo acompañe. Deambula solitario por las anchas calles, sumido en una profunda melancolía, triste por no cumplir esos deseos de libertad. Aún los recuerda con cariño (toca el piano el Tema romántico). Empieza a tocar más lento. Sabe que no puede estar así toda su vida, y que algo hay que hacer al respecto.
6. FINAL DECISIVO (17:04 - 20:14):
Esta es otra de mis partes favoritas y casualmente la primera que descubrí de la composición. El piano empieza a rebelar lo que de verdad siente. No tristeza, sino un sentimiento de cambiar las cosas. Comienza a tocar uno de los solos más difíciles de tocar que se han hecho, llegando a tener incluso más de una voz. El individuo ahora corre exhaustivamente. Frena un instante para tomarse un respiro y se prepara para el golpe final.
De forma veloz, la orquesta se aviva y capta las intenciones del piano. Sabe que está insatisfecho por las condiciones de la ciudad, y aunque le siguen el juego, no dejarán que el piano se salga con la suya.
En el minuto 18:39 continúa la guerra, y ahora junto a la orquesta el piano pasa de ser un mero acompañamiento a tomar más protagonismo. Al final, una escala ascendente muy angustiosa resuelve el conflicto, a favor de los dos bandos.
Tocan de forma armónica y épica el Tema Industrial por última vez, pero esta vez con el piano al mando. Sus protestas han funcionado, y a partir de ese momento se controlará más el tema de la industrialización, respetando más a la naturaleza. La orquesta deja que el piano se luzca solo. Todos juntos acaban tocando triunfantes el Tema principal que tocaron al principio, lo que lo comenzó todo. El piano, a pesar de no haber cumplido del todo los deseos que había en su mente, sonríe satisfecho y toca sus últimas notas. Sabe que la ciudad podrá mejorar, "amanecer de otra manera". Por eso, la acaba aceptando y vivirá en ella más feliz, hasta algún día perecer.
Por la historia que he sacado de esta obra, diría que nos da muy buenos mensajes. Nos dice que las cosas no salen siempre como queremos y hay que aceptarlas tal y como son. Además, nos dice que nunca ha que rendirse, y si queremos luchar para mejorar las condiciones, tenemos que esforzarnos al máximo y saber blandir la espada para ello.
Ya os repito que esta historia que os he contado en la estructura de la obra es totalmente inventada, y es lo que subjetivamente he podido interpretar. No sé en qué estaría pensando George Gershwin al componer su mejor composición: si en mi historia, en las costumbres y tradiciones estadounidenses, en su amor perdido, en sus seres queridos, en la música, en la comida o en la cascada de dinero que iba a ganar componiendo tal maravilla para la audiencia del concierto de Whiteman. Prefiero no saberlo y que cada uno interprete la obra a su gusto. Así se siente una Rapsodia más mágica 🌠.
Si os sirve de consuelo, Disney hizo su propia interpretación de Rhapsody in Blue con una animación. Omite muchas partes del solo, pero llega a ser la misma obra con casi la misma estructura que os he explicado. Al igual que yo, alude a la masificación de las ciudades, pero persiguiendo un mensaje algo diferente. No os voy a spoilear más para que la veáis con vuestros propios ojos:
También, Rhapsody in Blue ha sido fuente de inspiración para más personas, creando versiones contemporáneas de dicha obra en Heavy Metal, como hizo el grupo Liquid Tension Experiment, y como hizo con sintetizadores retro en una versión compactada en casi seis minutos Rick Wakeman. Aquí os dejo las dos versiones de la composición. La última está muy infravalorada, y no le veo nada de malo:
(Cuidadito con el tío de la portada de Wakeman, que te mira fijamente 😑).
Para acabar con esta extensa entrada, he de decir que en mi opinión, Rhapsody in Blue es una obra perfecta en todos los aspectos posibles. En mensaje que me da es muy bueno, y está muy bien estructurada. Los temas que aborda y se enlazan entre sí están muy bien desarrollados, y el cambio de tonalidad constante del que no eres consciente es digno de remarcar, así como la intercalación de Piano - Orquesta. Y si me apuras, su duración de poco más de quince minutos es PERFECTA, ni se queda corta ni se extiende demasiado. Entiendo que para muchos será como escuchar a Tom y Jerry haciendo de las suyas, pero para mí significa infinitamente más que eso, como habréis podido observar. ¡Es un 1000/10 para Gershwin! 💕
Ésto no significa que Rhapsody in Blue vaya a ser mi obra favorita para el resto de mi vida. Aún me queda mucha más música por descubrir, y al igual que ésta la descubrí el año pasado, este 2025 puedo descubrir otra de grandeza similar que la expulse de la cumbre de mi podio. ¿Habrá alguna que la pueda superar? Nunca lo sabré. 😊
Desde tiempos inmemorables, la música ha estado siempre pasando de generación en generación, evolucionando hasta lo que tenemos ahora. ¿Y cuándo ha evolucionado la música? Ha evolucionado cada vez que un compositor componía una obra diferente a lo que existía, innovando de manera original e influenciando a su vez a los compositores futuros. Por tanto, la música se queda estancada cuando existe cierto "plagio" entre composiciones, y cuando éstos se influencian demasiado por las demás personas, así como la música que "se lleva" en la época. Si ahora el Reggaeton está de moda, las personas compondrán nuevos temas de este género hasta que llegue un género revolucionario que aparte al Reggaeton de la lista.
Pues bien, hoy vamos a ver a algunos "especímenes" que se han cansado tanto de la música que estaba de moda en su época que decidieron crear algo totalmente innovador, porque se aburrían demasiado en sus casas y pensaban: "Vaya basura de música se toca ahora. Yo paso de componer como lo hacen Fulanito y Menganito. Ahora voy a componer lo que me salga de los cojines, y a quien no le guste que se aguante". Estate preparado, porque se viene música de la rara que no habrás escuchado en tu vida lo más probable, y de paso te cuento un poco de historia de música clásica, que para algo me leí un libro de trescientas páginas jajaja.😁😂
Aunque los dos últimos casos sean los más peculiares, el aburrimiento en los compositores estuvo presente desde siempre, y lo está ahora, y lo estará hasta el futuro. Uno de mis casos favoritos es el del compositor del Barroco conocido como Antonio Vivaldi. Seguro que al menos te suena, y estoy segurísimo de que has escuchado sus Cuatro Estaciones más de una vez, ¿pero nunca te has preguntado acerca del origen de esta canción? ¡Seguro que no sabías que representa toda una historia! El bueno de Vivaldi estaba tan aburrido que un día le dio por componer algo relacionado con granjeros borrachos, perros que cazan ciervos, pájaros piando y pastores a los que se les arruina la cosecha por una tormenta de verano. Y de paso se pegaba unas risotadas viendo cómo sus vecinos se resbalaban con el hielo en invierno, y eso también lo plasmó en su composición. De todas formas... ¿qué te esperabas? En el siglo XVII no había móviles ni consolas con las que entretenerse. Algo tendrían que hacer los pobres. Y todo eso de los granjeros borrachos no me lo invento yo, sino que Vivaldi lo deja escrito en su partitura. Si tienes más curiosidad, puedes echarle un ojo a este vídeo, y te entrarán ganas de escuchar música barroca. 😜😜😜
De esta manera, la complejidad del Barroco evolucionó hasta la simplicidad del Clasicismo, y a su vez éste pasó el relevo al Romanticismo, el cual también dejó su huella pero se sustituyó por música más moderna. Tendencias como el Vanguardismo, el Serialismo y el Minimalismo emergieron de la nada por compositores que rechazaban la Música Clásica tradicional que conocemos hoy día. Para que os hagáis una idea de cómo estaba la situación, aquí os dejo una obra de mediados del Siglo XX, denominada Ionisation:
Disonancias sin sentido, ritmos alternativos e instrumentos innovadores era lo que más destacaba en el Siglo XX, sin embargo, no creo que este tipo de música le gustase tanto a la audiencia. Personalmente, a mí no me gusta esta evolución de la música clásica y prefiero mil veces a compositores como Bach, Beethoven y Tchaikovsky. Sin embargo, hay dos obras pertenecientes a la Música Clásica Contemporánea que me llamaron mucho la atención.
La primera de ellas es de un compositor muy conocido, John Cage. Este hombre estaba tan harto de lo tradicional y de las tendencias modernas que quiso crear algo distinto. Seguramente se aburrió tanto que se dijo: "¿Y si creo música aleatoria?" No lo estás leyendo mal, música aleatoria, tal cual. ¿Y qué es eso? Si piensas que tanto la selección de instrumentos, el ritmo y la duración de la obra eran seleccionados al azar, estás en lo correcto. Es como si tiro un dado y me sale un 8, y con ese número digo que mi composición va a ir a 80 negras por minuto. A ver, es un ejemplo inventado para que se entienda lo que es la música aleatoria, pero hazte a la idea de que es algo así. Cage utilizaba otros métodos de azar para hacer lo mismo.
Pero ésto no se quedó aquí. Un día, Cage estaba tan, pero tan aburrido, que decidió experimentar un poco "componiendo" 4'33". ¿Estáis seguros de que queréis escucharla? Bien, aquí la tenéis:
¿Qué os ha parecido? 😅😂😂 Para quien no conociese esta obra, no estoy de broma, existe de verdad. Es COMPLETO SILENCIO, quizá algo roto por el ambiente de las gradas y el público. Y aquí una curiosidad: El silencio verdadero no existe. Existen habitaciones hechas con materiales específicos que de alguna manera absorben el sonido, pero aun así, siempre quedará un mínimo ruido presente.
Y ahora pasemos al último caso, que ya lo conocía de mucho antes y me parece una maravilla. Se trata de Terry Riley, otro compositor contemporáneo, cuya obra llamada In C (porque C significa Do en nuestra notación, y dicha obra comienza sonando en Do Mayor) es considerada una de las primeras que empleaba el minimalismo, por mucho que su autor lo negase. Y es que lo que este compositor hizo fue utilizar la técnica de la repetición, donde la música va evolucionando muy poco a poco.
Te lo explicaré. La partitura de In C está compuesta por 53 segmentos ordenados con números del uno al cincuenta y tres. No hay número determinado de intérpretes ni de duración, y el ritmo es a gusto de cada uno, y puedes tocar cada segmento tantas veces como quieras, incluso puedes quedarte tiempo sin tocar y puedes saltarte tantos segmentos como quieras (no los debes tocar todos si no quieres). La única norma es no retroceder de número, siempre hay que avanzar hacia adelante. No puedes pasar del segmento 7 al 3, pero sí puedes ir al 14, por ejemplo. Para comprenderlo mejor, os recomiendo buscar la partitura por Internet y veréis lo interesante que es 🎵🎵🎵.
Si te han parecido curiosas estas idas de olla, ponme en los comentarios tu opinión y qué más casos de este tipo conoces aparte de los vistos en esta entrada. No te lo tomes como algo raro, ya que como dije al principio, la innovación de la música es constante. 😋
¡Hola, amantes de la música! ¡Cuánto tiempo sin pasarme por aquí! He dejado este blog completamente abandonado por casi dos años, pero ya estoy aquí de nuevo, inspirado para escribir otra de mis entradas. En tanto tiempo que ha pasado he madurado tanto como persona como musicalmente hablando. Mis gustos musicales van cada vez más en torno a la música clásica, y además de estar dándole caña al piano, he estado leyendo un libro de música clásica de lo más interesante, que de hecho me terminé hace relativamente poco, en estas Navidades. 😀😁 Eso sí, ahora mismo me encuentro en una de las etapas más ocupadas de mi vida, puesto que estoy en un segundo de bachillerato, un curso donde hay que apretar los codos... Pero bueno, intentaré dejar entradas programadas para cuando esté ocupado para que los seguidores más leales tengan nuevo contenido que ver, aunque por lo que he visto apenas me habéis echado de menos. 😅
Así que hecha esta pequeña introducción, vayamos a lo que de verdad toca hoy. Y es que ésto viene a que uno de mis mejores amigos me llevó al cine para ver la reciente película Wicked en su idioma original (con subtítulos, obviamente) hace un par de días. Y la verdad es que no me la esperaba tan buena a pesar de su larga duración, y mira que a mí las películas me aburren fácilmente. En fin, que me pareció una película muy bien hecha que te sumergía en la temática del Mago de Oz y te hacía interesarte por su historia. Yo de hecho la vi sin apenas tener idea del cuento del Mago de Oz, pero igualmente me gustó.
Pero no venimos para hablar de la película en sí, sino de su espectacular música. Si no hubiese sido por ésto, la película se me hubiera quedado bastante floja, ya que es la base de todo al fin y al cabo. Para quien no lo sepa, Wicked está basado en un musical real. Como protagonistas tenemos a dos mujeres que al principio parecen opuestas pero al final se hacen amigas, y están representadas por las famosas cantantes Ariana Grande y Cynthia Erivo, cuyas mujeres son las que cantan casi todo el repertorio de la obra cinematográfica. No soy fan de estas cantantes, pero me encanta cómo se meten tan bien en sus respectivos personajes, sobretodo la primera, la cual me dio muchas sonrisas en sus escenas más cómicas. De verdad que tiene mucho esfuerzo ser cantante y actriz a la vez. 👏👏👏
Y ahora pasemos a hablar de lo que realmente quería hablaros: de la Banda Sonora de la película, que me parece brillante y está muy bien hecha. Cada canción representa una escena que tiene importancia en la trama, y su duración va desde un par de minutos hasta ocho o nueve minutos de canción. Pero tampoco llega a ser tan musical por las demás escenas dialogadas. Digamos que hay cierto equilibrio entre diálogo y canto. Lo que más puedo destacar de la música de Wicked son las siguientes características:
1. RIQUEZA ARMÓNICA: Y qué decir de la armonía, cuando estas canciones tienen de todo. Emplean diversos acordes y modulan bastante, es decir, cambian bastante de tonalidad durante su transcurso, un recurso que es de mis favoritos 💖. Incluso dentro de una canción suelen haber dos o tres "subcanciones" como si se tratase de una especie de rapsodia.
2. INSTRUMENTAL MUY RICO: Al igual que a la armonía, instrumentalmente lo que han hecho es una pasada. Y es que no sólo copian el instrumental del musical original, sino que lo mejoran para que se disfrute mejor a la hora de su escucha, sin tampoco sobrecargarlo. Se emplean gran variedad de instrumentos, como vientos metales, teclados, bajos y percusión. Toda una orquesta que nos adentra en la temática fantástica de la película.
3. LETRA PEGADIZA: A pesar de haber en ocasiones cambios drásticos de tonalidad o incluso de melodía, eso no quiere decir que las canciones no sean pegadizas, porque muchas sí lo son. ¡Si había gente en el cine que se sabía todas y cada una de las canciones! Y eso es porque muchas de ellas tienen un estribillo o un "motivo" repetido varias veces, además del uso abusivo de ciertas palabras para facilitar su memorización, y todo eso sin faltar rimas en la letra.
4. EFECTOS VISUALES MUY BUENOS: Una cosa es escuchar las canciones en Spotify sentado tranquilamente en tu sofá, y otra cosa es cuando ves la maravilla visual que te ofrece la película. Es increíble cómo nos hace centrarnos en la canción, y eso que no en todas las canciones emplean coreografías. Para hablar más de estos efectos visuales, quiero mostraros dos ejemplos con un par de canciones que me gustaron bastante:
En primer lugar, en la canción de One Short Day, cuando se usan a multitud de personas acompañadas con diferentes decorados de la Ciudad Esmeralda. Quizá el ambiente quede algo sobrecargado y lleno de colores, pero a mi parecer está muy bien porque es lo que realmente llama la atención aparte de la música. Además, de nuevo se le da un ambiente muy fantasioso a la obra para mostrar la grandeza de la ciudad. También me llamó la atención las técnicas cinematográficas que utiliza con la cámara, que incluso se llega a poner al revés un instante. Tal vez esta canción no sea de las más escuchadas del musical, pero ver la escena merece la pena. Seguro que comparada con otras, tuvo que cubrir mucho presupuesto. No encontré la escena, pero sí encontré este vídeo para que os hagáis una idea de los decorados y el vestuario:
Y luego destaco las escenas visuales que nos ofrece la canción What is this Feeling. Aparte de lo cinematográfico, hay un toque muy sutil que me hizo destacar esta canción en concreto, y lo averiguaréis en el vídeo que os dejaré a continuación. Y es que, entrando en el minuto 2:00 del vídeo, ¡se emplean los cubiertos como instrumento musical! Sé que puede parecer una tontería, pero es un detalle simplemente admirable y original.
Y para finalizar, os voy a mostrar cuál de todas fue mi canción favorita. Ésta es Popular, cantada por Ariana Grande. Por cierto, ambas mujeres cantan muy bien, y aunque la otra cantante tenga un rango de voz más amplio, me encanta el tono agudo de Ariana. Esta canción no destaca por su complejidad; su estructura es bastante sencilla. Su motivo principal, destacando la palabra que le da título a la canción, se te pega en la cabeza como un parásito, y el instrumental de la estrofa y el puente es FASCINANTE, y en general también es sencillo y no emplea muchos instrumentos, destacando una especie de teclado que muchas veces me suenan a estos clavecines que se usaban en la época de Bach (El clavecín es el precursor del piano). Y será sencilla, pero igualmente tiene mucha riqueza en su armonía. Y no creo ser el único que tenga a Popular como su canción favorita de la película; en las plataformas tiene multitud de visualizaciones.
En conclusión, no me esperaba que la Banda Sonora de Wicked fuese tan buena, y tanto a quien le guste el cine como a quien le gusten los musicales es recomendable que la vaya a ver, si puede ser en su idioma original, por favor. 😸😸 La considero una buena adaptación del musical original, y quién sabe si algún día la volveré a ver por segunda vez. Mientras tanto, escucharé sus canciones...
