Mr Bean's Holiday: La Banda Sonora más Infravalorada

 

 

 

¡Hola, amantes de la música! Han pasado algunos meses, pero aquí estoy con una entrada de las que os gustan: con juguito del bueno. 😜 Porque hoy, por unos minutos, vamos a irnos tú y yo de vacaciones a Francia con un señor un tanto "peculiar": nada más y nada menos que Mr Bean. Pero tranquilo, en este viaje todo acabará saliendo bien, así que, si te atreves a venir conmigo, agarra mi mano y sumerjámonos juntos en esta banda sonora tan espectacular. ¡Vamos, que se nos escapa el tren!

"Mr Bean's Holiday" (o como se titula en español, "Las Vacaciones de Mr Bean"), del año 2007, es una película de comedia protagonizada por el célebre Rowan Atkinson, interpretando a su personaje más icónico. Y, antes de que se me olvide, es obvio que esta entrada contendrá algunos spoilers de la película, así que ya fueron avisados. ⚠⚠⚠⚠

En esta película, Mr Bean marchará rumbo a Cannes, una ciudad preciosa del sur de Francia. Sin embargo, las cosas no le salen como espera y él mismo acaba metiéndose en el desastre, viviendo así un viaje alocado a lo largo de todo el país junto a un niño abandonado (ejem, por su culpa). A pesar de todo esto, al final acaba haciendo nuevos amigos, y no solamente consigue llegar a su destino, sino que consigue reunir al niño con su padre y ayudando de forma casual a una actriz de cine. Y claro, todo este argumento se hace más nostálgico, épico y caótico con la ayuda de la banda sonora, compuesta por Howard Goodall, un compositor que anteriormente hizo también la banda sonora de la peli de Bean de 1995. Sin embargo, es en esta peli donde considero que el compositor alcanza la madurez (además de que esta peli es más especial para mí que la otra, que también es muy buena). Dicho esto, pasemos a analizar la banda sonora y ver por qué está tan infravalorada.

Empecemos por la ambientación y los instrumentos que emplea. Como ya os he contado, toda la obra cinematográfica está ambientada en Francia. Y no solo en Francia, sino en unas "Vacaciones en Francia". ¿Y cómo suenan, o cómo se sienten unas vacaciones en Francia? Justo como esta banda sonora. 😁🥖 El compositor emplea los instrumentos adecuados para que suene "francés" (acordeones, armónicas, trompas francesas...), además de los clásicos instrumentos de orquesta para hacerla más fresca, completa y emocionante. Pero esta es la parte fácil: transportarnos a Francia. ¿Pero qué hay de las vacaciones? Sorprendentemente, Goodall consigue a la perfección darnos esa sensación de vacaciones que buscamos, todo a raíz de un sentimiento: la nostalgia. Porque las vacaciones pueden ser alegres, divertidas, románticas... pero no hay nada más que toque el corazón que recordar unas "vacaciones nostálgicas", ya sea aquella vez que viste la puesta de sol en la playa o bien aquella vez en la que tu amigo y tú fuisteis estafados en un hotel, tú sientes nostalgia al recordar esos momentos. 

Sin embargo, no todo lo que hay en esta película es nostalgia. Recordemos que Mr Bean es un personaje extraño al que incluso la más mínima situación trivial se puede hacer cuesta arriba, por lo que la banda sonora se tiene que adecuar a él (ya que es el protagonista y eje central de la película). ¡Y desde luego que el compositor tuvo eso en cuenta! La banda sonora va acorde a los sentimientos del personaje. Cuando Mr Bean está alegre yendo de vacaciones, suena música viva y alegre, pero cuando se mete en un lío suena música más caótica, y cuando hace algo épico, aunque sea por accidente, suena la orquesta en todo su esplendor, todo ello sin olvidarnos de que seguimos en Francia. 

Con esto, ya tenemos las bases con las que se ha montado la banda sonora: instrumentos franceses y orquestales, música nostálgica y que es fiel al personaje en todo momento... aun así, falta el ingrediente secreto.

 

Para que gente como yo recuerde esta banda sonora en vez de pasar de ella nada más terminar la película, falta algo fundamental que Goodall ha introducido estupendamente bien. Así es: la repetición, algo de lo que ya se ha hablado en este blog. Y es que, para que la gente recuerde tu música a largo plazo, el camino seguro es hacer que esta sea pegadiza para los oyentes. Imagina que enfrente tuya están 3 tipos random llamados Pepe, Wilson y Polnareff. Cada uno es una persona diferente, y cada uno toca un instrumento distinto: Pepe toca el acordeón, Wilson la flauta, y Polnareff tiene una pedazo de orquesta con coro. Sin embargo, llega un momento en el que deciden "intercambiarse los instrumentos". Ahí es donde ocurre la magia: ahora tocan los instrumentos de otros, pero siguen manteniendo su propia identidad ya que cada uno solamente sabe tocar su propia melodía. Pues eso mismo ocurre en esta banda sonora: hay distintos temas que van intercambiándose los instrumentos y haciendo pequeñas variaciones. Claro que en este caso estamos analizando un mundo más complejo: vamos, que igual Pepe es un aburrido y solo se atreve a tocar su instrumento, o Wilson está ansioso por probar los instrumentos de todos y va forjando su identidad durante el proceso, o bien Polnareff es un bipolar y un día te lo encuentras de buena gana y en otro te saca la lengua... ¡El motivo principal por lo que estoy escribiendo esto ahora mismo es por la forma tan genial en la que se repiten los temas de esta banda sonora! Y es lo que vamos a ver a continuación.

 

Y si a estas alturas aún no te ha picado la curiosidad, aquí tienes la banda sonora de Mr Bean's Holiday para que la escuches por ti mismo y veas lo que te digo: https://youtube.com/playlist?list=PLB69001FD72427D3D&si=3bcouvfN-Sucr4K5 ¡PERO OJO! Lo que vamos a ver a continuación puede ser otra forma de escuchar la banda sonora, ya que me he esmerado en juntar los temas que se repetían, cada uno en un vídeo por separado. Así que tú decides en si escuchar primero los vídeos originales y después los míos, o viceversa. ¡Eres libre de seguir el camino que quieras, no te voy a juzgar! 😋 De hecho, ambos caminos me parecen personalmente igual de prometedores. Ah, y para estos vídeos solo he incluido los temas que se repetían y no he incluido ediciones revisadas, por lo que obviamente no está toda la banda sonora (es simplemente para que veáis las veces que se repite cada tema). Aclarado esto, quédate y veamos juntos los 8 temas principales que he encontrado:

 

1. MAIN THEME: Ya que en el verano me voy a sacar el B1, ¿por qué no ir empezando a usar algo de terminología inglesa? He llamado este el "Tema Principal" por considerarlo de los más importantes de la película. Además, tiene todo el sentido, porque además de salir bastante, se puede decir que es el que abre y cierra la película (digo "se puede decir" porque hay alguna cosilla más de por medio que todavía no he dicho). Por último, lo he llamado así porque habréis visto que tampoco sufre grandes variaciones. En ocasiones, cambia de instrumentos y de ritmo, pero al estar todo el rato usando la misma tonalidad, parece todo el rato lo mismo (quiere hacerse totalmente memorable para el oyente). No es hasta su última aparición al final cuando cambia de tonalidad y suena de manera épica.

 

2. CANNES THEME: En la mayoría de películas hay un objetivo principal de por medio: desde explicar una historia hasta acabar con el villano final. En nuestro caso, el objetivo principal del protagonista Mr Bean es llegar a su destino vacacional: a la playa de Cannes (al sur de Francia). Y la película no llega a su fin hasta que lo consigue. Y está muy chulo, porque este objetivo se hace presente tanto visualmente (Mr Bean viendo imágenes de las playas de Cannes en lugares distintos o recordando que tiene que llegar hasta allí) como auditivamente (con este temita tan grandioso), y aunque a primera vista no lo parezca, es un tema que, cuando aparece, nos recuerda el "para qué" Mr Bean ha ido a Francia realmente. Por tanto, es un tema para mantener el foco en el objetivo.

 

3. FRENCH THEME: Lo he bautizado así por ser el tema que más aura francesa transmite (hay que decir que sus competidores son muy buenos). Tú le pones este tema a tu amigo y le preguntas qué es lo primero que se le viene a la cabeza, y lo más probable es que te diga "Francia" o "París". Haz el experimento y me cuentas, jeje. En verdad, he de decir que en gran parte es gracias a los instrumentos, especialmente al acordeón, que suena muy francés. Además de eso, esta melodía me gusta porque puede adquirir un significado diferente dependiendo del contexto. En la película, suena cuando Mr Bean está disfrutando de su travesía por Francia, pero también suena cuando tiene prisa o está en medio de un lío. 

 4. LOST THEME A: Aquí empezamos a incluir el salseo. Como veis, este tema (Tema Perdido) ya no es tan alegre como los anteriores, sino que más bien tiene un aire a confusión. Y es que es una melodía que suena cuando Mr Bean está completamente desorientado (o perdido) por Francia, cuando no sabe exactamente qué hacer o a dónde dirigirse. Es un tema que aparece pocas veces y sin muchas variaciones, pero especialmente la primera vez que suena, me parece que encaja a la perfección con la situación ¡Cuando vaya a Francia y me pierda por las calles de París, no dudaré en poner esta música!

5. LOST THEME B: Diferente al anterior, pero primos hermanos. Este tema, que es algo más frecuente, suena sobretodo cuando nuestro protagonista está tratando de "lidiar" con esa confusión anterior. Por ejemplo, cuando al principio de la película suena el "Lost Theme A" y el "Lost Theme B" seguidos (ver primera versión de cada uno), vemos que en el primero Mr Bean está desorientado y en el segundo ya está haciendo algo para solucionarlo. Esa sinergia que hay entre ambos temas me parece fantástica, aunque luego si seguimos viendo la película veremos que predomina más el "B". Otra cosa a destacar es que en la primera versión de este tema suena una especie de "coro ruso" que le sienta como anillo al dedo, y luego este coro es usado por otros temas (lo que dijimos de "compartir instrumentos").

6. DISASTER THEME A: Como todos los fans de Mr Bean saben, este señor se mete a menudo en situaciones de lo más graciosas y caóticas. Y esta película no es la excepción, por tanto, tenía que haber música para el desastre y para todo lo que le sale mal a nuestro protagonista durante su excursión (que no son pocas cosas). Ya me dirás tú qué gracia tiene perderse un tren, perder la maleta y, para colmo, perder incluso el monedero. ¡Ay, Mr Bean...! Este tema representa perfectamente todas esas desgracias que te pueden pasar en unas vacaciones, y lo que más destaca es que no solamente cambia de tonalidad, sino que en momentos dados pasa de tonalidad menor (triste) a tonalidad mayor (alegre) para, además de simbolizar el desastre, simbolizar un intento épico por parte del protagonista de solucionarlo.

7. DISASTER THEME B: Como digo, a Mr Bean le pasan tantas desgracias en sus vacaciones que un solo tema de desastre no bastaba (sería bastante repetitivo), por lo que el compositor hizo un "tema B" para el mismo contexto del anterior. Una melodía más simple y que aparece menos veces, pero que da el pego con las situaciones en las que aparece.

8. FINAL THEME: Perfectamente podría haber llamado a esta melodía "Main Theme B" por sus múltiples apariciones en la película (siendo el tema que más aparece de todos), pero no lo he llamado así por 2 motivos: primero, por la epicidad que me transmite al final, y segundo, porque no tiene ese aire tan "francés" que tenían los primeros temas. Y es que hay algo que no os he comentado. Y es que en la película se introduce una temática secundaria: la industria cinematográfica. Si habéis visto la peli, recordaréis esa escena en la que Mr Bean se coló accidentalmente en medio de una grabación de una publicidad de un yogurt, o bien esa premier tan aburrida producida, dirigida, guionizada, etc etc etc..., por ese tal egocéntrico Carlson Clay. Y lo más importante, esa escena tan épica en la que Mr Bean conmueve a toda una sala de cine y convierte a Sabine en una estrella... Todas esas escenas son claras referencias al cine, y no solamente están en esta trama, sino en este tema tan orquestal. Y me encanta, porque veréis que representa muy bien todo lo que sucede en la película: hace una aparición inicial, alegre, en el inicio, pero cuando todo sale mal se vuelve seco (representando lo lejos que parece estar ese "final ideal"). Sin embargo, conforme las cosas se van arreglando, va creciendo y haciéndose más épico, cogiendo instrumentos prestados de sus hermanos, hasta que finalmente explota a lo grande (sin olvidar que lo último que suena es el Main Theme). En resumen, para mí es el tema más completo, y es sorprendente la cantidad de veces que aparece si ni siquiera darte cuenta, ya que varía una barbaridad.

La verdad es que me encantó el proceso de recopilar e ir buscando cada tema. Lo más inesperado era cuando creía que tenía todos los ejemplares de uno de ellos, cuando de repente me daba cuenta de que sonaba una vez más en otra parte. Y no me ha pasado solo una vez. 😋 Se combinan tan bien y hay tanta sinergia entre ellos, que me tengo que quitar el sombrero por el sublime trabajo de Goodall. 

Y si pensabas que esto acababa aquí, estás equivocado. Goodall no se olvidó de añadir la "cereza del pastel". Eso que no puede faltar en ninguna banda sonora, nada más y nada menos que algunas canciones conocidas que han resultado ser un gran acierto. Canciones como "Crash" o "La Mer" le han dado a la película un toque definitivo. Goodall puede que haya compuesto unas excelentes melodías, pero si no se hubieran añadido canciones famosas como estas, tal vez la banda sonora no hubiera sido memorable para el oyente al 1000 por ciento. Y es que, al introducir este toque final, la banda sonora se muestra cercana a aquellos que la escuchan, los cuales se sienten identificados las canciones que conocen, generando una dosis extra de disfrute al ver la peli (en mi caso fue diferente, ya que en vez de conocer las canciones de antes las descubrí gracias a Mr Bean jeje). Nunca olvidaré el momento en el que Mr Bean persigue con una bicicleta a una furgoneta con pollos sonando "Crash" de fondo, o cuando suena "La Mer" en la escena final de la película, cuando por fin el protagonista pisa las playas de Cannes. Aunque a decir verdad, todos y cada uno de los momentos de esta película son icónicos. ¡TODOS!

¿Y entonces por qué esta banda sonora está tan infravalorada? Primero, por la película en sí. Si una peli no te parece buena, la banda sonora te va a entrar por una oreja y te va a salir por la otra. En el caso de "Las Vacaciones de Mr Bean", es la típica película con opiniones divididas: o te gusta o no te gusta. A algunos les parecerá una película nostálgica y llena de momentos graciosos (mi caso), mientras que a otros les parecerá una peli aburrida, pesada, que no está a la altura de la serie original de Mr Bean y que no aporta nada nuevo al personaje. Sin embargo, hay otra razón bastante polémica por la que esta banda sonora puede ser criticada. Si has visto las series de Mr Bean, habrás notado que apenas hay música de fondo en los capítulos, siendo el humor visual del personaje el que capta toda la atención del espectador. No obstante, esta película está repleta de música por todos lados, por lo que para algunas personas se traduce así: "Como el humor del personaje, la trama (y la película en general) no son suficientes para mantener activo al espectador, vamos a añadir música en cada secuencia para que se mantenga atento hasta el final". Crítica con la que no estoy de acuerdo. En mi opinión, una serie es diferente a una película. No es lo mismo ver varios capítulos sueltos llenos de humor y efectos de "risa", que ver una hora y media de algo más grande y ambicioso como lo es una película. ¿Aguantarías más de una hora si te pongo cualquier película sin su banda sonora? Seguramente haya algunas excepciones, pero la banda sonora es esencial para cualquier película que se precie. Y a esta película de Mr Bean le sienta como anillo al dedo, por lo que para mí, en vez de resultar ser algo "forzado", era algo necesario para un proyecto como este, además de lo que os he comentado antes de que hace referencia a la "industria cinematográfica".

 Si has aguantado hasta el final con esta pedazo de parrafada, gracias. Esta película es muy especial para mí, ya que fue la que me hizo conocer a Mr Bean por primera vez cuando era niño. Y ahora que soy grande, me llena de nostalgia y he podido redescubrirla y apreciar todos los momentos icónicos que tiene, además de la obra maestra de música de la que os he hablado en esta entrada. Si aún no lo habéis hecho, os animo a echarle un vistazo al enlace que os he dejado con la banda sonora al completo, y si esta estrada es apoyada, tal vez en un futuro analice otra banda sonora que llame mi atención. ¡Hasta otra! 🎵🎵🎵

 

Así es cómo Doraemon predijo el futuro de la música

 

¡Hola, amantes de la música! 😝 Hoy os traigo una entrada un tanto peculiar, ya que como veis en el título, una de las series favoritas de algunos de vosotros ha predicho el futuro de la música. Y es que este gato-robot cósmico llamado Doraemon ha sido un experto en predecir numerosos avances tecnológicos, que pasaron de ser una mera fantasía a algo común en nuestra vida cotidiana, como los GPS portátiles, las impresoras 3D, la robótica en el hogar y muchas cosas más (piensa que, además, los primeros episodios de esta serie empezaron a emitirse en Japón a principio de los años setenta). Pero lo que más sorprendido me dejó fue que predijese también el futuro de la música, un futuro que actualmente está empezando a hacerse realidad al igual que ha sucedido con los avances tecnológicos que he mencionado. Veamos por qué Doraemon predijo el futuro de la música...

 Para comenzar, un poco de contexto no viene mal para aquellos que no conozcan la serie. Básicamente, Doraemon es una serie japonesa en la que un gato cósmico homónimo del siglo XXII viaja 100 años en el pasado (al siglo XXI) para ayudar a un niño súper torpe llamado Nobita. Por lo general, cada capítulo sigue una estructura similar: Nobita tiene un problema, acude a Doraemon para pedirle ayuda y el robot le saca un invento de su bolsillo mágico para que pueda solucionar dicho problema. Y Doraemon tiene inventos de todo tipo: desde gorros que te hacen volar, hasta puertas que te llevan a otro lugar. Y casualmente  son estos inventos los que predicen el futuro. Como te podrás imaginar, uno de ellos lo hizo con el tema que tratamos en este blog: la música. Vayamos al grano de una vez por todas.

 

 Japón, diciembre de 2011. Sale a la luz uno de mis capítulos favoritos, denominado "El Mambo del Señorito". La trama de este capítulo consiste en que Gigante (uno de los amigos de Nobita), decide dejar de cantar (para fortuna de los demás, porque el colega es el peor cantante que se haya visto) para comenzar su carrera como productor musical, y eligiendo entre Doraemon, Nobita y los demás de la pandilla, se queda con Suneo para que sea el cantante que haga realidad sus producciones. 

 Hasta aquí todo bien. Ahora bien, resulta que al igual que canta pésimamente, a Gigante también se le da mal componer canciones. Compone un par de ellas, pero ni a Suneo ni a los demás les convencen, y si Suneo cantase esas composiciones, quedaría en ridículo delante de su familia. Ya ves por dónde van los tiros, ¿no?  

Pues aquí llega el turno de Doraemon para solucionar el problema. Saca un par de inventos, y uno de ellos se llama "El Creador de Éxitos", y es con ese invento con el que Gigante consigue "componer" la canción perfecta para Suneo, una canción llamada "El Mambo del Señorito". Basta con que Gigante le diga a la máquina cómo quiere que sea la canción, y en cuestión de segundos, el aparato le da el disco de la canción, cómo no, con instrumental y letra incluidos. Literalmente, Gigante dice las siguientes características teniendo en cuenta los gustos de Suneo:

• Rico y presumido 🤑
• Una canción alegre y luminosa con toques tropicales 🌴
• Que sea tan pegadiza que guste a todo el mundo 💟

 Y el aparato cumple con todo lo que le dice. ¿Esto no os recuerda a algo?

 En fin, que el Mambo del Señorito, a pesar de la desconfianza inicial de Suneo, resulta ser un éxito rotundo. Fuera bromas, personalmente la canción me gusta mucho, es por eso que este capítulo es uno de mis favoritos. ¡Realmente es una canción presumida, tropical y muy divertida y pegadiza! Y bueno, ya al final del capítulo Gigante está celoso porque nadie reconoce su "mérito" como productor musical, por lo que al final sale al escenario a cantar y lo arruina todo, incluyendo todo el éxito acumulado de Suneo.

  Y así es. Tal como te habrás imaginado, Doraemon predijo la existencia de la Inteligencia Artificial (IA) generativa, una rama de la inteligencia artificial que, a partir de cierta información, es capaz de crear texto, imágenes, vídeos... y música. Hoy día, con aplicaciones como Suno AI, puedes hacer realidad tu composición tal como hizo Gigante con el Mambo del Señorito. Lo impactante es que Suno fue creada a finales de 2023. ¡Doce años después de que se lanzara este episodio de Doraemon! Es increíble que, lo que antes se imaginaba como algo imposible, ahora, gracias a la IA, se esté haciendo cada vez más real con el paso del tiempo. Continuando con el ejemplo de Suno, es una IA que se va actualizando, siendo cada vez más competente y generando canciones cada vez mejor conseguidas y más realistas. 

Hace un año que probé esta IA, y la verdad es que me impresionó bastante. Para experimentar con ella, probé a hacer un rap de mi compositor clásico favorito (Bach 😋). Para ello, ChatGPT me diseñó la letra (aunque añadí algún retoque personal jeje), y Suno me hizo el siguiente rap:

 ¿Qué os pareció el rap? No estuvo mal, ¿eh? Pues imaginad la de cosas que podríais hacer con esta IA u otras similares, si te pones a pensarlo es una locura, es como si ahora cualquier persona pudiera componer. Es como que expande la creatividad (ya que hace que cualquiera pueda probar ideas nuevas con tan solo darle a un botón), pero a la vez la hace añicos. Sin embargo, por mucho que esté avanzando la IA, para mí la música que genera no llega a transmitir todavía las sensaciones y la emoción que transmite la música compuesta por un humano. Es como si le faltara esa chispa. Aun así, no se descarta la posibilidad de que logre evolucionar hasta llegar a la perfección dentro de algunos años, por lo que la situación puede empeorar para los profesionales que se dediquen a componer música, si es que no lo está haciendo ya.

 En resumidas palabras, el Mambo del Señorito es un claro ejemplo de cómo cualquier persona con una idea simple dentro de su cabeza puede llegar al éxito sin apenas esfuerzo, usando las herramientas adecuadas. Aun así, si se sigue automatizando la creatividad y llega el punto en el que los productores musicales crean miles de canciones en un segundo, la IA realmente será solo una herramienta, ya que no destacará el que haga mejor música, sino el que sepa innovar, destacar y conectar con el público entre una ola de canciones similares entre sí hechas por ordenador. Además, en este capítulo de Doraemon, ¿quién piensas tú realmente que tuvo más éxito antes de que se viniera todo abajo al final? ¿Podría haber sido Gigante como productor musical, ya que fue el que aportó las ideas y dirigió la producción? ¿O podría haber sido Suneo, ya que era la voz y la cara visible que veían los espectadores? ¿O simplemente el éxito se lo lleva el invento de Doraemon, el cual montó toda la canción? A pesar de ser una serie infantil, este capítulo tiene un trasfondo importante. Ahí te dejo una pequeña reflexión. 🤔

¿Cuál crees que será el siguiente aparato de Doraemon que llegará a nuestra vida cotidiana? ¡No dudes en escribir en comentarios! 👇 Mientras tanto, aquí me retiro. ¡Espero que hayas disfrutado de esta entrada y hasta la próxima! 🤖🤖🤖 

  

Música y Juegos de mesa

 

Estos 2 últimos años he estado metido en un nuevo hobby de lo más asombroso: los juegos de mesa. Partidas y más partidas a toda clase de juegos. Pero a veces sentía que me faltaba algo para vivir una experiencia todavía mejor. Ese algo, efectivamente, era un poco de "música".  

 La música está por todas partes, hasta en cosas como los juegos de mesa, por increíble que parezca. Y no me lo invento yo, hoy día, si buscas por YouTube "Música para jugar a Catan", por ejemplo, te saldrán múltiples vídeos de música de fondo para jugar a este juego. Y no es la excepción. Hay gente que de verdad se ha dedicado a crear canales exclusivos para seleccionar las mejores melodías para jugar a nuestros juegos favoritos con ellas. Y es que no solamente eliminan el silencio incómodo en la mesa, sino que dan algo más de ambientación y realismo a lo que se está jugando, y eso es lo que realmente importa en un juego de mesa: la inmersión. Pero, ¿qué pasa si no encuentro la música perfecta? Pues hoy, en esta nueva entrada, te ayudaré. ¿Estás listo? ¡Pues allá que nos vamos 😋!  

 1. ¿CUÁL MÚSICA NO RECOMIENDO SELECCIONAR?

Empecemos primero por lo fácil: cuál es la música que NUNCA deberías poner para jugar a un juego de mesa. Para empezar, que no tenga letra, y si la tiene, que sea muy sutil, se camufle con la melodía y no sea pegadiza (como una ópera por ejemplo). Poner una canción con letra supondría una gran distracción de los jugadores, especialmente si son temas conocidos. La verdad es que no me imagino poniendo música aleatoria de una radio para jugar a juegos de mesa, por ejemplo. Eso sería criminal. 

Otra cosa muy importante a tener en cuenta es la intensidad de la música. Recordemos que es "de fondo", esto significa que no puede distraer. Si ponemos una música muy intensa (como la música electrónica) mientras estamos gestionando nuestros recursos de madera, no es que nos vayamos a concentrar demasiado, aunque dependiendo del tipo de juego puede pegar más o menos este tipo de música más intensa.

 Y ya, por último, un detalle más secundario: que la música sea muy repetitiva o esté en bucle todo el rato. Ya sé que he dicho que la música no debe distraer a los jugadores de lo que están haciendo, pero si ponemos la misma melodía una y otra vez, nos acabaremos olvidando por completo de la música o nos aburriremos de ella. Personalmente, me ha pasado esto y no han sido experiencias muy satisfactorias. En cambio, si la música va variando, hacedme caso que las partidas se sentirán únicas. Imagínate si sonase una música relajante al principio y luego, por casualidad, suena una música más épica para el final de la partida. ¿No sería alucinante? 

2. ¿CÓMO ELEGIR LA MÚSICA DE FONDO PERFECTA? 

 Si como he dicho al principio de la entrada hay canales especializados que seleccionan la música por ti, no hay problema (con la salvedad de que tal vez unos canales lo hagan mejor que otros). Sin embargo, si andas muy perdido, intentaré echarte un cable, ya que cada juego de mesa es un mundo y muchas veces no es tan sencillo hacer esto. El truco está en ver el juego de mesa al que vas a jugar, y basarte en al menos 1 de los factores que se nombran a continuación para encontrar lo que buscas:

2.1: MÚSICA POR ÉPOCA: Esta es la vía más fácil y más común para encontrar la música perfecta, ya que hay numerosos juegos de mesa que están basados en alguna época conocida, y he aquí algunos ejemplos. Si estás jugando a un juego ambientado en la Antigua Roma, como lo es Carpe Diem, tan solo tendrás que buscar "Música de la Antigua Roma", ¡y así de fácil lo tendrás resuelto! Si avanzamos a la época medieval, aquí sí que hay juegazos como el Catan, el Ciudadelas o el Carcassonne. Incluso te puedes encontrar con juegos basados en en Renacimiento o en la época victoriana, como lo son el Splendor o el Brass, respectivamente. Y si de lo contrario el juego es muy futurista, como el Terraforming Mars, bastará con buscar música con un aire más tecnológico y abstracto. 

Aquí os enseño un ejemplo con el primer ejemplo nombrado: el Carpe Diem, que, aunque es un juego que no conoce mucha gente, es un juego de colocación de losetas y gestión de recursos en el que tienes que construir el mejor distrito con tus patricios. Ya con solo oír esto y ver la imagen que os pongo del juego, ¿a que pega esta música?

 

 

A veces, si buscas en inglés, te salen muchas más opciones. 😜 

  2.2: MÚSICA POR LUGAR: Otro factor muy importante es el lugar en el que se base el juego. Por ejemplo, Si jugáis a Fertility, ¿por qué no poner música de Egipto? Si jugáis al Alhambra, ¿por qué no poner música tradicional granadina? Y pueden ser lugares más concretos, como cuando decides echarte una partida en solitario a un Viernes, adentrándote a explorar una isla desierta. Y es que lo gracioso de este juego es que entre que juegas sin compañía y la temática de la isla... digamos que no está del todo bien implementada, si le pones la música adecuada, ¡te metes de lleno en la aventura, dispuesto a salvar al pobre de Robinson Crusoe!

 

 

2.3: MÚSICA POR TEMÁTICA: La temática en un juego de mesa, ya esté más o menos presente, puede ser esencial. Y cuanto más temático sea el juego (como el clásico Dragones y Mazmorras, puramente narrativos), la música aportará incluso más a vuestra experiencia. Por ejemplo, si estáis jugando a un juego como Star Realms o Gaia Proyect, bastará con poner música ambientada en el espacio y listo. También funciona perfectamente con juegos de mesa basados en franquicias, como "El Señor de los Anillos: El Destino de la Comunidad" o "Star Wars: Imperial Assault". ¡Pues así es imposible que sea más fácil!

Aquí tenéis un ejemplo de "Villanious", un juego de mesa tematizado en los villanos más poderosos de Disney al que seguramente hayáis jugado o hayáis visto alguna vez en una tienda.

 

 2.4: MÚSICA POR GÉNERO DEL JUEGO: Bueno, esta última categoría es un poco más complicada, aunque hay que reconocer que no es lo mismo estar jugando a un Eurogame durísimo, que a un Party donde reinan las risas y la despreocupación, que a un juego súper abstracto. En este último caso, recomendaría música más relajada para concentrarse, en general dando igual cuál, puesto que en los juegos abstractos lo que brilla es el enfrentamiento y la mecánica del juego (como el Ajedrez), quedando la temática prácticamente ausente. Una recomendación personal para este tipo de juegos son las ondas Alfa o Beta, que os ayudarán a relajaros y concentraros en cada partida, aunque si queréis vivir la partida de forma más intensa, os recomiendo mejor música épica (a un volumen moderado-bajo para que no haya distracciones).

2.5: MÚSICA HÍBRIDA: Ya si consigues una música de fondo que combine varios de los aspectos hablados, habrás triunfado, aunque en verdad ya he puesto algún que otro ejemplo que cumple con esto. La música por lugar puede combinarse muy bien con la música por temática, y a su vez se puede combinar excelentemente con la época. Por ejemplo, hablaros sobre mi juego favorito hasta la fecha: Fromage, un euro de colocación de trabajadores donde tendremos que competir por quién hace los mejores quesos de Francia, a principios de Siglo XX. Si buscas "Música francesa tradicional", te sentirás tanto en el lugar como en la época. ¡Es perfecto!

 

 

 3. CASOS ESPECIALES:

Hasta ahora, hemos visto un montón de casos que no han sido muy raros. Pero, ¿qué pasa si el juego en cuestión no está basado en ninguna época ni en ningún lugar? ¿Y si tampoco es tan temático? Este suele ser el caso de juegos simples como el Océanos de Papel, un filler donde tendrás que formar tu propio océano con cartas cuyas ilustraciones son de peces, barcos, tiburones, pulpos y más elementos marinos que están hechos de papiroflexia.

 

 La cosa está en qué música le puede pegar a unos papeles que viven bajo el agua. Esta pregunta es la que se hizo un canal de YouTube francés dedicado a esto. Y te interesará saber que su respuesta fue increíble. Seguramente lo primero que se te haya venido a la cabeza es música ambientada en el océano y las profundidades del mar, lo cual puede ser una buena alternativa. Pero este canal del que te hablo fue un paso más allá, creando un repertorio de una hora con las melodías más adecuadas para este jueguecito cuyas cartas transmiten un rollo especial. Hablemos de la música que incluyó. Para empezar, si te pones a escuchar el comienzo del vídeo (que está debajo), verás que suena una música relajante, pacífica, que pega un montón con el juego, pero no solo eso, sino que además suena bastante marino. Es como si estuvieses viendo un acuario gigante muy bonito con multitud de especies distintas. Casi como si estuvieses viendo un cuadro en un museo. 

Y es que el juego es así. Está ambientado en el océano, pero es que además está hecho para que aprecies el arte que hay detrás de cada carta y de cada origami que hay en ella. Lo que ha hecho esta persona es genial, de veras. Si nos ponemos a examinar el vídeo más a fondo, veremos que la música va variando, manteniendo ese tono relajante y místico que te transporta a lo más bello y profundo del océano. Sin embargo, también incluye otro tipo de música: el LoFi. Estas pequeñas partes de LoFi se alejan un poco de lo que he comentado del "acuario", pero a cambio de eso nos transmite ese rollito tan "chill" que tiene el juego una vez lo estás jugando. Se centra en el género del juego, un juego tranquilo, en el que lo pasas bien y tampoco tienes que pensar mucho. En resumen, este canal ha captado a la perfección la esencia del juego y la ha sabido transformar en música, dejándonos una música de fondo digna de escuchar en nuestras partidas.

Para los más avispados, os voy a dejar una propuesta a ver quién me sorprende. Se trata de que busquéis una música de fondo por YouTube para otro caso especial: un juego llamado  "La Morada Maldita" al que es difícil buscarle una música que encaje. Como pequeña ayuda, por un lado es un caótico juego de agilidad, donde tendréis que robar las gemas indicadas antes que vuestros rivales (teniendo cuidado con una gema morada que está maldita), no obstante, por otra parte, es un juego ambientado en una mansión misteriosa llena de riquezas y fantasía. Así que, para encontrar la mejor música, esta tendrá que ser una fusión entre el género del juego y el lugar en el que está ambientado. Leeré vuestras propuestas en comentarios. ¡Mucha suerte! 💎

4. UN JUEGO DE MESA QUE YA ES MÚSICA:

Y ya por completitud, me gustaría hacer mención de un juego de mesa al cual no necesitas ponerle música, ya que él mismo INCLUYE LA MÚSICA. Tal como lo oyes: la música y los juegos de mesa se han fusionado para tener un hijo, bautizado como Hitster. No lo tengo ni lo he probado, pero por lo que he oído de él, es un party donde escaneas con el móvil una carta con un código QR y te lleva directo a una canción que los participantes tienen que situar en una línea del tiempo. Un juego muy simple en el que probablemente te lo pasarás bomba escuchando tus temas favoritos (y no tan favoritos 😅). Y encima es un juego barato y los hay de varios tipos: está el Hitster original, el Hitster de temas españoles, el Hitster Rock, el Hitster veraniego... ¡Que no te vas a aburrir! Incluso han metido como última novedad un Hitster Bingo que parece de lo más interesante. En serio, tú le regalas esto a alguien que sabes que escucha música con frecuencia y se conoce bastantes cantantes y grupos, y te garantizo que triunfas. 

 Pues ya sabes, músico, jugón (o ambas cosas😂): la próxima vez que juegues a un juego de mesa y sientas que falta algo, ya tienes la información necesaria para vivir una noche de juegos inolvidable. Aun así, recuerda que a veces la mejor música es las risas de tus amigos o los gritos de emoción cuando sale un "7" en los dados. ¡Un saludo y hasta la próxima! 🎵🎵🎵

 

 

El álbum más triste de la historia

 

¡Hola, amantes de la música! Siento haber estado ausente durante tanto tiempo, aunque al fin con las vacaciones de Navidad tendré tiempo para escribir alguna que otra entrada. Además, he visto que en estos últimos meses gente de todo el mundo le ha echado un vistazo al blog, lo que me ha motivado a ponerme a escribir. ¡Muchas gracias por todo el apoyo! 💖 Si queréis estar al tanto de las nuevas entradas que van saliendo, lo único que tenéis que hacer es pulsar el botón de "seguir" si estáis en el ordenador. 

Bueno, hoy os traigo una entrada algo peculiar, más diferente de lo que estáis acostumbrados a ver. Y es que, como deduciréis leyendo el título, vamos a hablar sobre un álbum que descubrí recientemente, considerado por muchos el álbum más triste de la historia. Estamos hablando de Everywhere at the End of Time, del artista The Caretaker. Así que voy a daros mi ADVERTENCIA: Si ahora mismo estáis pasando por un mal momento, os recomiendo que no leáis esta entrada, ya que vamos a tratar temas que pueden ser sensibles para muchas personas. Aclarado esto, comencemos.    

Everywhere at the End of Time (En todas partes al final del tiempo) es una obra compuesta por The Caretaker (James Leyland Kirby), de unas 6 horas de duración, dividida en 6 extensos álbumes. The Caretaker es un músico inglés cuya música es conocida por ser ambiental, oscura y experimental, con gran uso de samples manipulados de música antigua, creando diferentes atmósferas (nostalgia, tristeza...), como es el caso de la obra que analizamos hoy, que trata sobre la evolución de la demencia y la pérdida progresiva de memoria. Y la verdad es que consigue meternos de lleno en su atmósfera al transmitirnos canciones que evocan temas que nos resultan familiares y cercanos. Estoy seguro de que alguno de vosotros tiene quizá algún familiar con demencia o alzheimer, y comprende lo duro que puede ser.

En este caso, en Everywhere at the End of Time, The Caretaker nos pone en la piel de una paciente que sufre esta cruel enfermedad, escuchando la música que suena dentro de su mente en forma de recuerdos lejanos. Dicha música se basa en samples de música de baile y salón de los años 30 (jazz, swing...) la cual se va distorsionando progresivamente hasta llegar a un desorden terrible, acabando con el silencio absoluto... Pero vayamos por partes, viendo qué nos ofrece cada uno de los 6 álbumes de este agridulce viaje. ¡Allá vamos!

PRIMERA ETAPA: 

 Representa los primeros síntomas de la pérdida de memoria del paciente, pero por ahora nada grave. La música consiste en bucles de música de salón de los años 20 y 30 que se pueden distinguir de forma clara, ya que la distorsión es mínima. La música aparenta ser alegre y nostálgica, aun así, no parece representar recuerdos tan alegres. Más bien, parecen recuerdos solitarios e incluso algo melancólicos. Esta primera etapa dura aproximadamente 41 minutos, y las melodías tienen títulos como "It's Just a Burning Memory" (Es un recuerdo ardiente), "Childishly Fresh Eyes" (Ojos frescos e infantiles) o "My heart will stop in joy" (Mi corazón se deterndrá de alegría). Para mí, en general esta parte del álbum, a pesar de trasmitir soledad y nostalgia, me pareció bastante relajante. Para escuchar un poco de cada etapa, pinchando en los títulos de las canciones que os he dejado, podréis acceder a dichas canciones para poneros en contexto. 

 

 La portada del álbum es una especie de rollo gris minimalista, como una revista. Es un objeto cotidiano reconocible.

SEGUNDA ETAPA:  

 El paciente se da cuenta de que algo falla, pero se niega a aceptarlo. Las melodías empiezan a transmitirnos un ambiente se vuelve más gris y melancólico. Es cierto que algunas canciones resultan relajantes, pero otras son bastante oscuras. Además, podemos observar que se usan loops más largos y con menos efectos que en la Etapa 1, pero la calidad se deteriora y se nota una mayor presencia de ruido. Sin duda, todo eso representa un esfuerzo mayor por recordar y una señal de lo que vendrá en las etapas posteriores. Esta etapa tiene una duración aproximada de 42 minutos, y las canciones que la conforman tienen títulos como "Misplaced in time" (Fuera de lugar en el tiempo), "What Does it Matter how my Heart Breaks" (Qué importa cómo se me rompe el corazón) y "Denial Unravelling" (Desenredando la negación). Al igual que la etapa anterior, esta me pareció también muy solitaria.

 

En este caso, en la portada del álbum se nos muestra una maceta de flores que se están marchitando. A su vez, la maceta tiene una forma peculiar, como si un hombre y una mujer la estuviesen sujetando. En resumen, vemos un objeto cotidiano aún reconocible que refleja las confusiones del paciente.

TERCERA ETAPA:  

 Aquí es donde el paciente vive sus últimos momentos de consciencia, así como se representan sus últimos recuerdos coherentes, antes de que la demencia se apodere de él por completo. Al igual que en las dos etapas anteriores, se emplean samples de música de los años 30, aunque esta ahora es más enredada y confusa. Si en las dos anteriores etapas apenas notaste la distorsión, aquí se manifiesta de forma evidente. El artista no solamente usa la distorsión clásica, sino que emplea otros recursos que deforman las melodías, como el efecto del "eco" o delay, o en ocasiones una especie de "pausas" y bloqueos constantes, como si estuvieses haciendo una videollamada con alguien pero la cobertura va mal. Todos estos efectos representan sin duda la dificultad cada vez mayor que tiene el paciente para recordar, además del cambio que están experimentando sus recuerdos. Para mí, esta etapa es una de las más interesantes, ya que las canciones aquí están bastante distorsionadas, pero todavía se hacen distinguibles, lo que provoca que haya melodías... un tanto siniestras.

Tiene una duración aproximada de 45 minutos, y las canciones están denominadas por títulos como "Back There Benjamin" (Allá atrás Bnejamín), "Sublime Beyond Loss" (Sublime más allá de la pérdida) y "Drifting Time Misplaced" (Tiempo a la deriva extraviado). 

 

 La portada del álbum se deforma tanto como las melodías que hay en este. Por el color verde parece como un revoltijo de plantas sin sentido. Pero lo curioso (y lo que pocos fans habrán notado) es que hay números camuflados en la imagen, como un "9" abajo a la izquierda, un "7" grande en medio, y un "3" situado abajo a la derecha, lo que puede expresar la confusión creciente del paciente, que empieza a mezclar cosas cotidianas con otros elementos. 

Si has llegado conmigo hasta aquí, ya no hay vuelta atrás... Prepárate para lo que se viene a continuación. 

CUARTA ETAPA: 

 Esta etapa marca el inicio del deterioro de la memoria del paciente de forma grave. Sus recuerdos se mezclan y enredan, formando un caos que simula el avance de la demencia y la pérdida de capacidad para reconocer el entorno que lo rodea y todo lo que se encuentra en él. Esta parte del álbum está compuesta por cuatro canciones donde se pueden salvar pocas melodías reconocibles. Es casi una hora y media de confusión. En las canciones G, H y J (todas bajo el mismo título, "Post-Awareness Confusions" (Confusiones posteriores a la concientización)) está todo bastante mezclado, y la música se transforma en fragmentos musicales cortos y repetidos sin coherencia entre ellos, simulando que el paciente está perdiendo la capacidad para recordar. A mí me recuerda a cuando coges una radio antigua e intentas sintonizar con la emisora adecuada. En cambio, la canción I ("Temporary Bliss State" (Estado de felicidad temporal)) es una sola melodía, más relajada que las otras, pero distorsionada a más no poder. Como podemos apreciar, los títulos de las canciones empiezan a adquirir nombres más técnicos, sin la subjetividad de antes.

 

 Esta vez, en la portada hay una mujer de rostro desconocido (con un parecido razonable a "La mujer de la Perla"). Es como si se hubiesen cogido varias pinturas y texturas diferentes para intentar representar esta figura, como el paciente trata de hacer con sus recuerdos.

QUINTA ETAPA:

 Si la cuarta etapa te pareció extraña, esta lo es todavía más. El paciente se encuentra en una fase de demencia avanzada en la que se representa mediante música y sonidos inquietantes la pérdida casi total del "yo" y la conciencia del espacio y el tiempo, con algunos momentos inquietantes. Repetición, distorsión, rupturas, caos... aquí se utiliza de todo sin dejar ni rastro de algo apenas reconocible. Y, por si fuera poco, todo este alboroto está acompañado de un montón de ruido externo que lo cubre todo. Sin lugar a dudas, el paciente está pasando por uno de los peores momentos de su enfermedad. Esta quinta etapa de casi una hora y media está compuesta de 4 "melodías" (si se pueden llamar así) con más títulos técnicos, como "Advanced Plaque Entanglements" (Enredos de placa avanzados) o "Synapse Retrogenesis" (Retrogénesis de la sinapsis). 

 

 En la portada ya no se ve nada reconocible. Si le echas un poco de imaginación, puede parecer un hombre y una mujer subiendo unas escaleras, pero no lo sabes con certeza. La distorsión es máxima.

Si este viaje te está dejando algo depresivo, la última etapa del álbum es la más triste de todas. 

 SEXTA ETAPA:

 Esta etapa no tiene descripción...

Ya no queda nada, solo el sonido del vacío y restos sutiles de la memoria e identidad del paciente, los cuales se han desintegrado por completo. Esta etapa de 1 hora y 25 minutos de duración, y en ella puedes encontrar títulos como "A Confusion so Thick you Forget Forgetting" (Una confusión tan espesa que olvidas el olvido) y "Place in the World Fades Away" (El lugar en el mundo se desvanece). Cuando todo parece totalmente perdido, esta última canción nos sorprende en sus últimos minutos con una última melodía distorsionada, pero coherente, que acaba desapareciendo dejando paso a un silencio total, simulando la muerte del paciente. Muchas personas identifican este momento tan icónico con la llamada "lucidez terminal", momento en el que un paciente gravemente enfermo experimentan una inesperada y breve recuperación de claridad mental justo antes de morir. Es por eso que se nos presenta esta triste melodía, representando un último recuerdo del paciente antes de dejar nuestro mundo para siempre...

 

 Amigos, esto es todo lo que nos ofrece este extenso álbum. Le doy mi más sincera enhorabuena a  The Caretaker, ya que ha conseguido cumplir con su objetivo (al menos conmigo). Y es que, si os soy sincero, hacer una entrada lidiando con un álbum así no es fácil. Osea, no me he puesto triste ni estresado ni nada, simplemente no me he sentido lo a gusto que quería, por mucho que me gustasen las melodías que sonaban en las primeras etapas. El tema de la demencia es muy duro para todos, y todos tenemos ese "miedo" a que algún día la demencia venga a nosotros y tengamos que luchar contra ella completamente solos. Es por eso que, al escuchar Everywhere at the End of Time  teniendo en cuenta este oscuro contexto, nos sentimos algo tristes e incómodos. 

Me parece increíble cómo la música puede transmitirnos este tipo de emociones, un viaje o una experiencia completa. Además, este Everywhere at the End of Time  nos deja la libertad de interpretar la música (o los recuerdos del paciente) con ayuda de nuestra imaginación, creando algunas teorías de lo más interesantes. Por ejemplo, en "What Does it Matter how my Heart Breaks", ese ruido que oímos todo el rato de fondo puede simbolizar las neuronas del paciente, muriéndose una a una. O mejor aún, en "Back There Benjamin", una de mis canciones preferidas del álbum, las trompetas que se escuchan pueden simbolizar a la propia demencia riéndose de nosotros porque sabe que ella tiene el control y nosotros no tenemos nada que hacer contra ella.

Por último, para dejar cerrado este asunto, me gustaría mostraros algunos remakes que han hecho los fans de este álbum. Recomiendo que les echéis un vistazo, porque son increíbles. He seleccionado solo 2 de ellos, pero si investigáis un poco, podréis ver que se han creado infinidad de remakes. ¡La imaginación no tiene límites!

1. Everywhere at the End of Time con voces: https://www.youtube.com/watch?v=KdyoFAmpwrI&list=RDKdyoFAmpwrI&start_radio=1&t=10164s

2. Everywhere at the End of Time, pero desde el punto de vista de un paciente mexicano: https://www.youtube.com/watch?v=8M73kbR_IGw&list=RD8M73kbR_IGw&start_radio=1&t=5606s

Mis aplausos para los que crean estas joyas. 👏👏👏

A mí no me importan las visitas que reciba esta entrada, pero si recibe 30 visitas o más, me comprometo a traeros más experiencias plasmadas en música (se me vienen unas cuantas a la cabeza). Y como esta es la última entrada del año, os deseo feliz año nuevo a todos🎉.  

 

 

Remixes de Música Clásica que están a otro nivel

 Prácticamente fue ayer cuando empecé a tocar en el piano el famoso Nocturne op 9 no 2, de Chopin. Y yo, como curioso de la música que soy, quise investigar otras versiones de este nocturno. Ya sabéis, algo que suene más actual, con otros instrumentos, o versiones rock o electrónicas. Y fue ahí cuando me topé con un remix muy bien conseguido que me encantó. Pero la cosa no se quedó ahí, porque en el mismo canal de Youtube donde me encontré dicho remix había más remixes de composiciones de Música Clásica famosas, y me quedé atónito con las maravillas que escuché. ¿Queréis escuchar vuestras obras favoritas de Música Clásica a otro nivel? ¡Este puede ser vuestro día de suerte! 😋😋😋

Empezaré diciendo que hacer un remix de algo de Música Clásica no es tarea fácil. De hecho, es muy difícil que te quede bien y a la gente le guste. Es como si quieres transformar el rojo en azul. Es por eso que TPRMX (como se hace llamar el canal que descubrí) tuvo que pensar muy bien en cómo hacer que un remix de Música Clásica suene realmente bien. ¡Y lo ha conseguido! 

A ver, no os voy a mentir, desde mi punto de vista subjetivo hay unos mejores que otros. Por ejemplo, el Bolero de Ravel del que os hablé en la anterior entrada es prácticamente imposible hacer un remix así. Es una composición tan repetitiva y evolutiva, que como mínimo necesitaríamos un remix que dure lo que esta (unos quince minutos) para que quedase algo medianamente decente. En fin, que TPRMX  hizo un remix de dos minutos y medio de duración, y no me gustó mucho. Pero no es culpa suya. Ni él ni nadie podría hacer un remix perfecto del Bolero, porque está hecho solo para orquesta y no se puede convertir en algo que no es. A veces es mejor dejar las cosas como están, ¿entiendes o no?

Sin embargo, TPRMX  ha compuesto joyas infravaloradas que merecen ser expuestas, y seguramente algunas superen a la versión original. Por eso, he aquí mi humilde Top para mostraros las que personalmente me han gustado más. ¡Prepara los auriculares! 🎧

 

MENCIONES HONORÍFICAS:

Aparte de los que para mí son los tres mejores remixes de este canal, me gustaría mencionar algunos que no se han quedado atrás y también me han impresionado (os dejo enlace de todos ellos). En primer lugar, del William Tell Operture de Rossini que, auqnue se salte alguna parte importante, está genial. Luego, el Clair de Lune de Debussy, que me gustó mucho porque la obra original está escrita a 9/8 y el compositor hace que encaje en un 8/8, lo que conocemos por un 4/4. Y la verdad es que hacer un remix de Clair de Lune parece muy arriesgado, pero a TPRMX le quedó impresionante. Por último, me gustaría mencionar también a Ride of the Valkyries de Wagner, y al Ode to Joy de Beethoven, que es con diferencia el remix más popular del canal, con casi 1 millón y medio de visualizaciones. 

 TERCER PUESTO:

La medalla de bronce se lo lleva el remix del que hablé al principio de la entrada: el del Nocturno de Chopin. Literal, ahora mismo en Internet no hay mejor remix del Nocturno que este, y es justo lo que uno desea escuchar. Es un remix sublime, especialmente en las partes más conocidas de la obra. Y aquí también hay un cambio de compás, ya que pasa de un compás ternario al 4/4 para hacerlo más marchoso y bailable. Y me gusta también porque no está muy sobrecargado, lo que hace que se pueda escuchar con placer, conservando algo de la calma que nos transmite la obra de piano original. Aquí os lo dejo para que lo escuchéis:

 Ya veis que todos los remixes son de piezas muy famosas que todo el mundo ha escuchado. ¿Seréis capaces de adivinar cuál irá en primer puesto? ¡Quedaros hasta el final y lo averiguaréis! 😜

SEGUNDO PUESTO:

Este merecido segundo puesto, al que le faltó muy poco para superar al primero, se lo lleva el Hungarian Dance No. 5 de Brahms. Otro remix sin defectos que podría llegar a superar incluso a su versión original al ser más intenso. Combina muy bien los ritmos de percusión, y suena como si te enfrentases al jefe final de un videojuego en 8 bits, muy épico. No os arrepentiréis si lo escucháis.

 PRIMER PUESTO:

Dudo mucho que hayas acertado cuál remix irá en primer lugar, pero si lo has acertado por alguna casualidad, felicidades. Es de una de las obras más conocidas de Mozart, de la ópera de La Flauta Mágica. Del fragmento más conocido, con unos agudos muy desafiantes que muchos han intentado cantar y la mayoría han fracasado 😂😂😂. 

 Es un remix corto, pero que lo tiene todo. Tiene estilo y mucho ritmo, y me encanta cuando empieza con tonalidad menor pero enseguida se pone alegre y suena la parte más icónica. Sin duda, es un remix insuperable. Si fuese más extenso, lo podría poner un DJ en una discoteca y triunfaría, seguro.

OTROS REMIXES:

No solamente TPRMX se ha embarcado en el reto de hacer remixes de obras clásicas; miles y miles de personas amantes de la música lo han intentado. Y por eso aquí os traigo un remix de regalo que descubrí hace un tiempo y que me gusta escuchar de vez en cuando. Se trata de un remix del Hungarian Rhapsody No. 2 de Franz Liszt, justo de mi obra favorita de este compositor. Y este sí que abarca toda la obra, de ahí que dure más de 8 minutos. He de aclarar que no es un remix tan loco como los otros mostrados, va más bien a lo seguro y, a pesar de su ritmo repetitivo, la variedad de instrumentos y sintetizadores es notable. Le da un buen toque cuando se turnan el piano y el sintetizador. De este , mi parte favorita es desde que comienza segundo movimiento, a partir del minuto 2:21 del vídeo que os dejo a continuación:

Hay que aplaudir, además, a esa maravilla de animación que nos trae, basada en una foto de Liszt real. Una animación que acompaña a la música a la perfección y que es muy divertida y alocada. Para entender la gracia, solo hay que observar los memes.

 

En fin, si conocéis algún remix o versión buena de alguna obra conocida de Música Clásica, hacérmelo saber en comentarios. ¡Y comentad cuál ha sido vuestro remix favorito! 👇👇💪💪

No creo que TPRMX vea esta entrada, ya que dejó de publicar remixes en Youtube hace 8 años. Pero si el destino quiere que la vea algún día, le diré que se debe sentir muy orgulloso de toda la música que ha compuesto, además de que ha acercado las maravillas de la Música Clásica a la audiencia actual.😊

 

 

¡La repetición al poder!

 

¡Hola, amantes de la música! Ya estoy de vacaciones y estoy a tope de energía para publicar más entradas musicales. Así que empezaré por una que hace ya tiempo que tenía ilusión de hacer. ¡Tomad asiento, porque os puede interesar bastante! 💕💕💕💕

Como habréis visto en el título, hoy hablaré sobre uno de los recursos musicales más usados (o si no, el más utilizado): en la repetición. Y es que, en cada canción o melodía que oigas, la repetición va a estar siempre presente: cuando se repite un patrón concreto de acordes, cuando se repite el estribillo de una canción... ¡La repetición engloba a todas las características musicales que te imagines! Hoy día, con géneros como el Pop o el Reggaeton, la repetición se usa cada vez más, en ocasiones llegando al punto de que a dichas canciones les falte chispa y originalidad, además de ser aburridas y aborrecedoras. Pero, si hay algo que sé, es que la repetición no es algo malo, sino todo lo contrario. Si se emplea correctamente, puede llegar a hacer magia en tu oído, y hoy os enseñaré algunos ejemplos peculiares más allá de las fugas de nuestro Johann Sebastian, las canciones actuales e "In the Hall of the Mountain King" de Grief, de la que ya os hablé en una entrada hace tiempo. ¡Vamos al grano!

1. REPETICIÓN MODO "CANON": 

Un Canon es un tipo de composición musical en el que las melodías se repiten en diferentes instrumentos, estando estas siempre a la misma distancia. El ejemplo más popular de este tipo de composición lo habréis escuchado multitud de veces, especialmente en bodas. Sí, me refiero al Canon de Pachembel. Esta obra barroca, por simple y amigable que parezca, tiene mucha magia en su interior. Y es que, como dije antes en la definición de Canon, los instrumentos de cuerda presentes en esta composición se van pasando entre ellos diferentes melodías, como si se estuviesen pasando una pelota. Además, nunca cambia de armonía y se mantiene hasta el final con sus mismos ocho acordes. En esos ocho acordes es cuando empiezan a sonar las melodías. Y Pachembel fue muy ingenioso aquí, ya que ideó la melodía más carismática posible con solo negras, y la pasó al primer violín. Cuando el primer violín la toca una vez, se la pasa al segundo violín, mientras que él toca un acompañamiento, también con negras que encaja a la perfección. Cuando Pachembel se aburrió de las negras, pasó a escribir la melodía más carismática, ahora con solo corcheas, e hizo lo mismo con los violines. Siguió el mismo proceso con las semicorcheas, hasta que la melodía se desarrolló hasta llegar a la melodía más famosa de toda la pieza que todos hemos oído alguna vez. Y obvio que esta melodía también pasa de un violín a otro. En cuanto al bajo, se mantiene constante todo el rato tocando una sola melodía.

Ya ves la chicha que tiene esta pieza, aunque para nada es complicada. Te aconsejo que la escuches con atención y te fijes en cómo se van repitiendo las diferentes melodías, fijándote también en cada instrumento por separado. Como simple curiosidad, este Canon no llegó a ser tan famoso en su época. Fue a partir de los años 50 cuando llegó a convertirse en una obra esencial en la Música Clásica, siendo una obra que, debido a su sencillez, repetición y carisma es amigable de escuchar para un oído actual. ¡Lo que hablábamos antes de los géneros de música actuales! 

 2. REPETICIÓN DE UNA MELODÍA CON DIFERENTES INSTRUMENTOS:

 Aquí no solo hablamos de Música Clásica. Como ya dije al principio, el recurso de la repetición en la música es muy popular actualmente, aunque me voy a ir un poco atrás a los años 70, con la melodía "Onyx", que os dejo aquí abajo 👇👇👇:

 Esta obra se hizo un hueco en el mundo de la música debido a ser una de las primeras piezas de música electrónica, un género que estaba empezando a expandirse por aquel entonces. Usa sonidos e instrumentos tecnológicos que la hacen muy futurista, e incluso nos recuerda a los alienígenas. Lo que me cautivó de Onyx fue esa diversidad se sintetizadores que emplea para repetir todo el rato el mismo motivo, el cual se hace pegadizo nada más escucharlo un par de veces. En primer lugar, se nos presenta la melodía principal tocada suavemente por un sintetizador común, y luego, tras un tenso puente, se repite la melodía una y otra vez, pero con diferentes tipos de sintetizadores y acompañamientos. A mí personalmente me hizo gracia cuando sonó el agudo, porque queda increíblemente bien. Y es que esta diversidad que vemos hace que el oyente esté atento a la canción en vez de aburrirse con tanta repetición. Sin duda, por muy anticuada o futurista que suene, Onyx se ha ganado mi hueco en el Spotify. 👽

Si aún sigues leyendo esta entrada, estás de suerte, porque he dejado el plato fuerte para el final. La repetición mejor usada de la historia y que todo el mundo ama o va a amar.

3. REPETICIÓN AUMENTANDO GRADUALMENTE LA INTENSIDAD:

La primera canción del estilo que a uno se le viene a la cabeza puede ser "In the Hall of the Mountain King", ya que repite el mismo motivo con cada vez más fuerza y velocidad. Pero amigos, lo que os voy a mostrar a continuación está a otro nivel. Una composición de Música Clásica moderna del año 1927 de unos 15 minutos de duración en la que aumenta gradualmente la intensidad en todos los sentidos. Manteniéndose siempre al mismo ritmo, los instrumentos de la orquesta se van incorporando poco a poco hasta armar el caos. Con esta descripción algunos ya habrán adivinado la obra a la que me estoy refiriendo. Así es: hablo del Bolero de Ravel. 

La verdad es que tiene una historia bastante curiosa. El compositor francés Maurice Ravel ya era muy famoso cuando compuso su Bolero. No paraba de recibir encargos por todos lados, incluyendo el de componer un ballet con carácter español. Y ahí es cuando Ravel, a sus 52 años de edad, cuando estaba empezando a sufrir problemas de demencia, compuso esta maravilla, lo que según él era un humilde "estudio de orquesta". Lo que no sabía es que su obra se haría famosa instantáneamente, siendo actualmente una de las obras de Música Clásica más escuchadas. Lo impactante fue cuando se hizo mayor y ya padecía problemas cerebrales serios, y escuchó su Bolero por la radio. ¡Se quedó asombrado por dicha obra debido a su evolución y aumento de intensidad, sin acordarse de que la había compuesto él mismo años atrás!

Este Bolero no es una obra cualquiera. Ravel optó por hacer algo experimental, novedoso, llegando hasta una composición prácticamente minimalista, adelantado para su época. El Bolero está compuesto en un 3/4, y la base es siempre la misma, de principio a fin: un tambor que imita el ritmo del bolero español. Hay dos melodías que se repiten en todo momento (2 veces una y dos veces otra): la "melodía principal", la más reconocible, y la "melodía secundaria", más triste y misteriosa. Lo magnífico de la obra es la manera en la que evoluciona. Empieza sonando el tambor, de la forma más suave posible, y luego la flauta travesera toca por primera vez la melodía principal, acompañada del pizzicato de los violines. Luego llega el turno del clarinete, después el fagot con la melodía secundaria, y así sucesivamente las dos melodías van pasando de un instrumento a otro. El acompañamiento se mantiene igual, pero va cambiando de instrumentos y haciéndose más fuerte. Así vemos cómo poco a poco va aumentando la intensidad, con cada vez más y más instrumentos. Ya casi a los 10 minutos aparece el bombo, que le da fuerza a la obra, y finalmente, con todos los instrumentos incorporados tocando lo más fuerte posible, Ravel decide acabar ahí con una outro de lo más caótica.

Pero lo mejor para comprender el Bolero es escucharlo por uno mismo. Si tenéis quince minutos, os ruego que lo escuchéis entero para que veáis cómo va cobrando fuerza. Os dejo la versión que más me gusta a mí, y luego una versión en directo, ya que va a ser interesante que veáis cómo actúan los instrumentos de la orquesta:

 

Espero no haberos hecho perder el tiempo en escuchar esto, porque igual os ha parecido un muermo, o quizá os haya impactado tanto como a mí. En serio, cuando descubrí esta maravilla, me quedé con los pelos de punta 💓. ¿No os acordáis cuando os hablé de Rhapsody in Blue, mi obra favorita? Pues ha temblado al encontrarse en mi mente con el pegadizo Bolero. En serio, un poco más y le quita el primer puesto. Con esto os digo que el Bolero de Ravel es mi segunda obra musical favorita. Rhapsody in Blue sigue siendo insuperable, y no la puedo comparar con una obra experimental de este tipo ya que cada una tiene una energía distinta. Rhapsody in Blue es delo más completa, mientras que el Bolero de Ravel tiene una magia increíble, aunque también da lugar a muchos mensajes. Por ejemplo, que la vida de una persona es como el Bolero. Va evolucionando, y nosotros decidimos si hacerla monótona o hacerla interesante. A mí me gusta interpretar como que dicha persona es el tambor que no cesa y los instrumentos representan las experiencias vividas o las personas que lo acompañan a lo largo de su vida. En resumen, al ser una obra tan peculiar no le gusta a todo el mundo. Incluso yo mismo a veces me cuestiono si algún día me cansaré de tanto bolero y tanta repetición, o será una obra que seguiré escuchando durante el resto de mi vida, con el amor y la pasión de cuando la escuché por primera vez 😊.

Pero bueno, no me enrollo más. Espero que os hayan sorprendido estas tres singulares composiciones, especialmente la última de ellas. Si conocéis alguna obra similar, hacérmelo saber a través de los comentarios, porfi 😋😏. Por último, si queréis empezar a componer vuestras propias canciones, ya habéis visto que la repetición os puede ser de gran ayuda, sobre todo si se usa correctamente. ¡Además, os ahorráis bastante tiempo! 😆😆. 

 

 

El oído absoluto

 

¡Bienvenidos a una nueva entrada! Hoy os quería hablar de un asunto del que os quise hablar hace tiempo. Se trata del oído absoluto, y os responderé a algunas preguntas sobre esta extraña habilidad que tienen algunas personas. ¡Allá vamos! 👂🎵

 

 

1. ¿Qué es el oído absoluto?

Con oído absoluto es a lo que se relaciona con la habilidad de identificar o reproducir cualquier nota musical concreta sin tener referencia alguna de otras notas. Por ejemplo, si un pianista te toca un La y tú sin mirar la tecla que ha tocado aciertas la nota con facilidad, significa que tienes oído absoluto. 

2. ¿Tienes oído absoluto?

Sí, yo tengo oído absoluto. En parte por eso estoy escribiendo esta entrada, ya que os puedo informar mejor sobre el tema teniendo en cuenta que he experimentado en persona lo que es. No me gusta decirlo, pero bueno, ya sabéis una cosa más sobre mí.

3. ¿Qué porcentaje de personas posee esta habilidad?

Según datos actuales, lo poseen 1 entre cada 10000 personas en todo el mundo, lo cual significa que lo tienen un total del 0,01% de la población. Entre estas personas, se encuentran Mozart, Freddy Mercury, Michael Jackson, Stevie Wonder, Mariah Carey, y por supuesto, nuestro queridísimo Johann Sebastian Bach, que si te das cuenta, son individuos que se han dedicado a la música de manera profesional.

4. ¿Cómo se siente al tener oído absoluto?

No sé. Simplemente puedo identificar las notas sin ninguna referencia, pero más allá de eso no hay nada más oculto. Es como distinguir colores. Cuando ves ésto: 💙, ves que es de color azul sin dudarlo. SIENTES que es de color azul. Pues con las notas ocurre igual, yo oigo una nota y la identifico igual que un color. 

Cuando suenan notas a mi alrededor, en mi vida cotidiana, puedo identificar sin problema qué notas son, como el timbre de mi casa, la campana del horno o una ambulancia pasando por la carretera. No sirve para absolutamente nada, pero bueno. Además, para mí la tonalidad en la que esté una canción es muy importante. Imagínate escuchar tu canción favorita un par de tonos más arriba. Para ti sonará igual, solo que más aguda. Para mí también sonará así, pero como que siento otra cosa en mi interior cuando la escucho así, como que al cambiar las notas siento como otras sensaciones por mucho que sea exactamente la misma canción. Quizá por eso la modulación o el cambio de tonalidad sea mi técnica favorita. ¡Me vuelve loco! 🥵

5. ¿Cómo puedo conseguir tener oído absoluto?

Lo más común es conseguirlo con un entrenamiento musical a temprana edad. En mi caso, empecé a dar piano y lenguaje musical a los seis años. Quizá por eso ya comenzase a desarrollar mi oído absoluto a partir de los nueve o diez años. Aun así, los científicos aún tienen muchas preguntas acerca de cómo surge este talento misterioso. De ahí viene el porcentaje tan bajo. Si ya de por sí pocas personas dan clases de música o tocan algún instrumento, imaginaros seleccionar a muy pocas personas de ese pequeño grupo para que tengan oído absoluto.

6. ¿Hay alguna otra opción que se parezca al oído absoluto, aunque no sea lo mismo?

 Si ya eres más mayor y piensas que es demasiado tarde, existe otra alternativa que hará a tu oído muy poderoso: el oído relativo. Éste, a diferencia del oído absoluto, significa básicamente que puedes identificar las notas, habiendo tenido antes referencia de una nota anterior. Es decir, te digo: "Voy a tocarte un La", y te lo toco, y luego te digo: "Voy a tocarte otra nota". Si tú a partir de ese La sabes cuál es la nota misteriosa con soltura, enhorabuena, tienes oído relativo. Es mucho más fácil de conseguir si vas entrenando y adquiriendo experiencia, y en ocasiones puede llegar a ser incluso mejor valorado que el oído absoluto, ya que comprendes la teoría de forma práctica. El oído absoluto es el talento; el oído relativo es el esfuerzo.

7. ¿El oído absoluto te sirve para hacer algo útil?

Bueno... la verdad es que sí. Para lo que más me sirve es para replicar fragmentos de una canción con tan sólo escucharla, así como para plasmar melodías que tengo en mi cabeza en una partitura. Para esta última es para lo que más me sirve. No canto, pero a los cantantes les resulta útil para afinar mejor la voz y acertar la nota con más precisión. Por el resto, por mucho que esté contento de tener esta habilidad, he de admitir que si no vives con oído absoluto no te pierdes nada, porque no sirve para una mier⏹⏹.